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14/8/17

'Claqué o no', that's the question





Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Foto: Roser Blanch

La temporada teatral no ha acabado, o acaba de comenzar. Con la arena todavía en nuestros pies, es hora de alzar el telón. La primera en dar el pistoletazo de salida es la Companyia Dara en el Tantarantana con Claqué o no, una comedia sobre si es posible reinventarse profesionalmente cuando has dedicado buena parte de tu vida a una cosa que ya no te motiva.

La compañía es la última de la edición 16-17 de El Cicló y vuelve a apostar por la comedia en su nuevo montaje. Núria Deulofeu interpreta a una mujer con una carrera profesional brillante, una profesión que le va como anillo al dedo y en la que ha conseguido llegar muy lejos, pero lo quiere dejar. Ella lo que quiere es dedicarse profesionalmente a bailar claqué. Isidre Montserrat es un funcionario del gobierno que se encarga de que las personas se dediquen a aquello para lo que están preparadas. Entonces, los planes de la mujer se veran frustrados.

Después de triunfar con iME y posteriormente con Mars Joan, la companyia Dara con Roc Esquius como dramaturgo, busca que empecemos el curso escolar con buen ritmo y cuestionándonos si aquello a lo que nos dedicamos es realmente a lo que nos gustaría seguir dedicándonos. ¿Es posible comenzar de cero a los trenta, cuarenta, etc? ¿La sociedad está preparada para que lo hagamos?

"De toda tragedia, como sería cambiar tu futuro laboral, puede surgir una comedia", según afirma la compañía. Del 16 de agosto al 17 de septiembre, en el Tantarantana se bailará Claqué o no.

9/8/17

El placer femenino, primer protagonista de septiembre en el Maldà





Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

El Maldà iniciará el mes de septiembre con una odisea eroticomusical. Basada en las Mil y una noches y el Decamerón de Boccaccio, el espectáculo nos introducirá en un viaje donde la música y la narración se entremezcla y se fusionan. Un espectáculo que explica cuentos eróticos, divertidos, emocionantes y mágicos, llenos de pasión, engaños, violencia y elegancia, ingenio y humor, que nos harán reír y pensar. 

Las mujeres serán las protagonistas, su ingenio, su determinación, su fuerza y sobre todo su placer. Dos reyes cornudos, una chica condenada, tres exclavas juguetonas, un monje perspicaz, una princesa aventurera... son algunos de los personajes que descubriremos en esta odisea de una hora de duración.

La perdiu és de qui la caça no es ni un concierto, ni un monólogo, ni un cuentacuentos, ni siquiera una lectura dramatizada. Es simplemente una historia, que pretende que el público se entretenga un rato antes de ir a dormir, y que su propia imaginación le ayuda a tener sus propios sueños eróticos.

La dramaturgia está firmada por Ariadna Pastor, que también es una de las protagonistas, junto a Laia Capdevila y su viola. La dirección corre a cargo de Montserrat Bonet y la música original está compuesta por Òscar Vilaprinyó. Todas las piezas para la viola están compuestas íntegramente para el espectáculo. Todos ellos forman la Compañía Tabú, un nombre muy apropiado para el tema principal del montaje.

La música se convierte en un protagonista más, con el que se juega y sirve como elemento para interectuar con él durante el transcurso de la historia, reforzando así el contenido dramático de la dramaturgia. De la misma manera que se aprovecha que el sonido de la viola cuya sonoridad es muy similar al de la voz humana, consiguiendo así un espacio sonoro muy equilibrado.


1/8/17

BALANCE DE LA TEMPORADA 16-17



Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Fotos: Perejaume | Diari de Vilanova | Xavi Buxeda | Cristina Sánchez | Ros Ribas | Beigott |

Parece que fue ayer cuando estaba escribiendo el balance 15-16 y se ve que ya ha pasado un año y tenemos otra temporada en nuestras espaldas. Personalmente la temporada 16-17 se ha caracterizado por un drástico recorte en mi asistencia a las salas, debido a que me he centrado en otros intereses que requerían toda la atención posible. Cansada estaba de contar obras, como si ir al teatro fuera hacer maratones, esta temporada que dejamos atrás me he centrado en lo que realmente quería ver, el tiempo apremiaba y de agendas mensuales de hasta veinte obras, he pasado a cuatro o cinco. Pero, a pesar del cambio considero que no me he perdido ninguna de las maravillas que se han visto en la cartelera barcelonesa. Ahora lo descubriremos…

Todas las temporadas empiezan igual con un nombre propio Fira Tàrrega, en esta ocasión volvimos a disfrutar de teatro de aquí y allá, pero uno de los nombres propios fue el tándem Roberto G. Alonso / Marc Rosich y que después de pasar por algunos espacios convencionales parece ser que la temporada que viene recalarán a la renovada La Seca Espai Brossa. Expectante por ver el recibimiento que otorgará el público barcelonés a A mi no me escribió Tennesse Williams.

A la vuelta de Tàrrega esperaba con ánsias a la Agrupación Señor Serrano, que por fin conseguían entrar en el teatro público, Teatre Lliure, donde presentaron en formato trilogía Katastrophe, A house in Asia y Brickman Brando Bubble Boom, una de las tardes-noches más interesantes que recuerdo esta temporada. Aún me queda por atrapar Birdie, se me escapó en el Festival Grec de 2016 y parece ser que en Barcelona fuera de festival les cuesta entrar. Wait and see.

Con la llegada del otoño llegó la revolución que aún sigue y que este otoño dará mucho que hablar. Enric Cambray y Ricard Farré nos regalaban una versión libre de Les Dones Sàvies que provocó más colas y listas de espera que un concierto de la última diva del pop/rock. Y la verdad, por una vez la moda estaba más que merecida. Una servidora está deseando que llegue el otoño, no sólo para que se acabe el bochorno veraniego, sino para volver a desternillarme en el Maldà.

Antes del invierno todavía nos deparaba una sorpresa en pequeño formato. Abandonamos la cartelera barcelonesa, a la que parece que el espectáculo se resiste, para irnos de gira al Atrium de Viladecans donde descubrimos una pequeña joya llena de magia,  Pluja. El espectáculo que une en el escenario los títeres de Guillem Albà y la música de Clara Peya. Espero que no sólo haya bolos sino que pronto se puedan dar las condiciones para que el público de Barcelona disfrute de este momento mágico.

Antes de las Navidades una servidora se marcó un viaje a Nueva York y pude disfrutar de una pequeñísima parte de la vida teatral de Nueva York. En primera parte, las experiencias tradicionales, y en la segunda entrega la mayor experiencia de lo que llevo de vida teatral, Sleep no more.

Con la llegada del nuevo año, empezó la gran trilogía del año, la Sala Atrium nos regaló tres de los personajes femeninos más importantes de la historia teatral contemporánea: Nora de Ibsen, Júlia de Strindberg y Nina de Chéjov. Todas ellas adaptadas a la realidad actual por Raimon Molins. Algunas más acertadas que otras, yo la última me la ahorré, después de escuchar comentarios de todo tipo. Júlia, interpretada por Patricia Mendoza, me dejó tan impresionada, después de llevar años sin mostrar un gusto excesivo por este personaje en versión original, tanto la interpretación de Mendoza como la versión de Molins es sobresaliente.

En esta temporada también ha habido momento para recuperar algunos de aquellos montajes que parece que vas persiguiendo pero nunca atrapas. Es el caso de Iaia, memòria històrica que pude recuperar en la Sala Fènix. Un montaje que me dejó sin palabras, de una belleza impresionante y con una protagonista, Alba Valldaura, magistral. De esos que si vuelve a la cartelera, es imprescindible.

Durante una semana en el mes de febrero sólo se escuchaba hablar de La Sala Roja, un montaje de pequeño formato de teatro argentino que se representaba en, una desconocida hasta el momento, La Badabadoc. El montaje nos descubrió un espacio pequeño pero exquisito y donde el trato con el espectador es de aquellos que apenas se recuerdan, una pequeña familia. La pequeña de sala ya se ha convertido, para una servidora, en un espacio muy a tener en cuenta en la agenda mensual. Y la próxima temporada ya apunta maneras.

Sin abandonar febrero, el Teatre Auditori de Sant Cugat nos regaló un The Winter Tale dirigida por Declan Donellan, teniendo en cuenta que una servidora se había saltado el Temporada Alta, supuso poder ver teatro internacional en temporada, una ocasión entre pocas. Esperemos que no sea la última y los viajes a Sant Cugat sean más regulares. 

A principios de marzo la cartelera explotó literalmente, en menos de diez días nos maravillamos con L’ànec salvatge (Teatre Lliure), Firefly (Tantarantana), Yerma (Teatre Akadèmia) y La filla del seu pare (Espai Lliure). Cuatro de los mejores montajes de la temporada. En abril, y tras algunos fracasos sonados que mejor ni mencionar, el Lliure de Gràcia nos sorprendió con un combo de obras de Shakespeare, Complete Works: Table Top Shakespeare, interpretados por unos ‘actores’ poco convencionales. He de decir que sólo escogí 4 piezas, pero una vez superado el miedo inicial, me hubiera quedado a vivir en el Lliure.

El mes de mayo tuvo tres nombres propios en formato tàndem: Rigola/Chéjov y su maravillosa adaptación de Ivànov, Prat i Coll / Rebekka Kricheldorf y su hilarante versión de Las tres hermanas de Chéjov en Els Tres Aniversaris y Els Pirates Teatre / Shakespeare, que firman la mejor versión en mucho tiempo de Somni d’una nit d’estiu.

Antes de entrar en modo Grec, la Sala FlyHard, en la que hacía tiempo que no ponía los pies, nos devolvió su esencia con #LifeSpoiler, un thriller futurístico con unas brillantes Vicky Luengo (que ya nos maravilló en Ivànov de Rigola) y para la que ha sido una gran temporada y Bruna Cusí. En septiembre vuelve a la FlyHard.

Primer Grec de Cesc Casadesús pero todavía con una clara injerencia de Ramon Simó, su antecesor que le traspasó el testigo a finales de noviembre. Poco tiempo para hacer una programación completa. Menos espectáculos y una sensación más de calma entre los que, como una servidora, se dedican a hacer maratones en julio, la que no hice durante la temporada, a recuperar el tiempo perdido. 

El 75% de ocupación, el primer Grec de Casadesús ha sido todo un éxito (teniendo en cuenta de dónde veníamos). Personalmente, tengo claro mi top five (entre las 22 propuestas que he disfrutado): 1- La Grenouille aviat raison (James Thierrée); 2- Utopia (Cia Ignífuga); 3- Perra de Nadie (Marta Carrasco); 4- Aüc. El so de les esquerdes (Les Impuxibles+Carla Rovira); 5- We love Arabs (Hillel Kogan). 
Todas las críticas de la edición 2017 del Grec las puedes recuperar AQUÍ.


Con la agenda de Fira Tàrrega 2017 preparada, el Festival TNT en el horizonte, las programaciones de Maldà, Lliure y TNC presentadas, con otras por presentar como Temporada Alta, cierro la maleta teatral de la temporada 16-17. Como siempre a finales de agosto, con las programaciones adelantadas de algunas salas abriré la temporada 17-18, un aperitivo al primer maratón de la temporada, el soñado oasis de Tàrrega.


PS: Y aunque la maleta teatral esté cerrada, la actividad del blog seguirá, será un agosto de anuncios y de novedades teatrales de cara al otoño, el telón nunca acaba de caer del todo. Y por supuesto te animo a seguir nuestro Instagram, Twitter y Facebook. ¡Qué el ritmo no pare!

30/7/17

DIARIO DE UNA ORIENTADORA DE SALA


AUTORES y DRAMATURGIA: MARIANO CLEMENTE y VICTORIA CASELLAS
DIRECCIÓN: GONZALO FACUNDO LÓPEZ
INTÉRPRETES: VICTORIA CASELLAS y ATILIO OTERO
BAILARINES: LUCAS MARIÑO, LEANDRO ZANARDI, PABLO GABRIEL y GABRIEL MIRANDA
DURACIÓN: 60min
LA BADABADOC


No sólo de Grec vivimos los teatreros, cada vez son menos, pero hay salas que se atreven a programar en pleno mes de julio, como es el caso de que La Badabadoc, que durante los últimos dos fines de semanas nos ha vuelto a acerca el teatro argentino de pequeño formato. La sala de Gràcia que hemos descubierto esta temporada, con otra obra argentina La Sala Roja, se está convirtiendo en una sala imperdible para descubrir compañías autóctonas y argentinas.

Diario de una orientadora de sala nos sumerge en el mundo de los trabajos basura, aquellos que aceptamos mientras no sale otro mejor y que desmotivan al más paciente. En este caso la protagonista, Victoria acepta ser orientadora de sala en un museo, ocho horas de pie, sin apenas moverse, y con nada para hacer más allá de evitar que los visitantes traspasen la línea a la hora de ver el cuadro.

Victoria, mientras tanto, sueña con ser actriz y comparte su experiencia en una especie de diario de 140 caracteres vía Twitter. A través de sus acciones y sus tuits descubrimos la personalidad de la protagonista, muy argentina ella, en esta ocasión la red social será su terapeuta. La acompaña en escena el vigilante de la sala, que sirve para un roto y para un descosido de la poderosísima imaginación que despliega Victoria.

Diario de una orientadora de sala nos presenta a Victoria Casellas, una actriz todoterreno que literalmente se deja la piel en el escenario. Obra hecha por ella y para ella, sus 60 minutos son un auténtico terremoto escénico, mayoritariamente en forma de monólogo. Pero, la realidad también está llena de momentos surreales, y el montaje tiene unos cuantos porque, ¿a quién no le gusta soñar despierta?

Al contrario de lo que le pasa a la orientadora de sala, se aburre como una otra, el público de Diario de una orientadora de sala, empatiza con la protagonista y pasa una hora de risas, interrumpidas por algunas cuestiones, que quizás no sean tan cómicas. Aunque en esta vida se pueda una reír de casi todo.

Seguro que como yo, muchos estarán deseando descubrir la nueva temporada de La Badabadoc, a ver qué nos depara el otoño. Ganas de descubrir otras pequeñas joyas del teatro argentino actual.

29/7/17

CABARETA



AUTORÍA: MARIA MOLINS y BÁRBARA GRANADOS
DRAMATURGIA: JOAN MARIA SEGURA, BÁRBARA GRANADOS y MARIA MOLINS
DIRECCIÓN: JOAN MARIA SEGURA BERNADAS
COMPOSICIÓN MUSICAL: BÁRBARA GRANADOS
INTÉRPRETES: MARIA MOLINS, BÁRBARA GRANADOS, DICK THEM y MIQUEL MALIRACH
DURACIÓN: 80min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA, SALA MUNTANER y VELVET EVENTS S.L.
SALA MUNTANER (GREC 2017)


Esta edición del Grec 2017 la he acabado en sala y en lo que se denomina Grec Ciutat. Después de dramas, comedias y experiencias de todo tipo, me sumergí en el mundo del cabaret. Esa ansiada y recordada Barcelona de los años 20 y 30, donde el Paral·lel era un Broadway en pequeño. Maria Molins y Bárbara Granados recuperan su esencia en clave femenina y al mismo tiempo por las tablas de la Muntaner se pasean un sinfín de personajes: Maria Aurèlia Campany, Mary Santpere, Ángel Pavlovsky, Guillermina Motta… y si nos descuidamos Shakespeare, y no no es muchos descuido, el Bardo inglés hace acto de presencia. Nada parece estar reñido con el cabaret.

Para los que hemos seguido con más o menos asiduidad la carrera profesional de Maria Molins, sabemos que la llaman para hacer dramas, algunos de esos de cortarse las venas, no hay nada más que pensar en su personaje la Purga (TNC. Dir. Ramon Simó). Se podría decir sin miedo a equivocarse que en CabaretA se desmelena. Sorprende verla interpretar personajes, situaciones tan cómicas. Es todo un alivio, y realmente el punto musical del espectáculo acentúa la parte cómica de las escenas de texto y los geniales movimientos aportados por una dramaturgia y dirección de todo un conocedor en este tipo de género, Joan Maria Segura. Se nota su toque, su aportación al montaje, el ritmo que le ha otorgado, sobre todo para controlar las transiciones, que en este tipo de montajes son uno de los momentos clave.

Bárbara Granados es el contrapunto multidisciplinar del montaje. No sólo aporta una interesante banda sonora (acompañada de Miquel Malirach y Dick Them), con algunas genialidades como la adaptación magistral del Bohemian Rapshody de Queen, que en su versión hablará entre otras cosas de la corrupción catalana. También cabe destacar su aportación entre canción y canción, cómo hacer música con unos instrumentos ‘especiales’.

CabaretA es un espectáculo con alto contenido crítico. Nadie está a salvo: Rajoy y sus problemas lingüísticos, la gente tóxica que nos rodea, los homófobos (brillante y surrealista la historia de Evaristo), el papel de las mujeres en las artes escénicas a nivel Catalunya, la Castor, los cursos de formación de Andalucía, el referédum o el sorprendente momento de los Días Mundiales de algo… 

Dos semanas se quedan cortas para que el público se pueda deleitar con un cabaret poco convencional como el que se han marcado Maria Molins y Bárbara Granados. CabaretA es un espectáculo de teatro - concierto con grandes dosis de humor que se merece una temporada más larga en las tablas barcelonesas. Verano y vacaciones mediante para que en septiembre con la llegada del otoño sea posible encontrarlo otra vez en las salas. ¡Qué viva el cabaretA!

FUGIT


DIRECCIÓ ARTÍSTICA y CREACIÓN: CIA KAMCHÀTKA / ADRIAN SCHVARZSTEIN
REGIDOR DE LA COMPAÑÍA: LAURENT DRISS con la ayuda de JORDAN MAIA
AUTORIA: CIA KAMCHÀTKA
INTERPRETACIÓN: CRISTINA AGUIRRE, MAÏKA EGGERICX, SERGI ESTEBANELL, CLAUDIO LEVATI, ANDREA LORENZETTI, JUDIT ORTIZ, LLUÍS PETIT, JOSEP ROCA, EDU RODILLA, SANTI ROVIRA, GARY SHOCHAT y PRISCA VILLA
CON LA PARTICIPACIÓN ESPECIAL DE: JAN ESTEBANELL, LEO FERRER, JOAN RODILLA, CARLOTA y EMMA ROVIRA
DURACIÓN: 90min aprox
FOTO: SYLVIE BOSC
PRODUCCIÓN: CARRER88, S.L.
MERCAT DE LES FLORS- POBLE SEC (GREC2017)  

Cada tipo de teatro tiene o ha de tener su público. El teatro inmersivo, aquel que sumerge al espectador en una aventura o experiencia diferente a lo que sería sentarse en una platea y dejar que algo pase en el escenario. Mi gran experiencia de este tipo la viví en Nueva York, con Sleep no more me quedé sin palabras. 

Fugit, repite esta fórmula de teatro en el que actor y espectador se funden. Un espectáculo itinerante por las calles y diferentes espacios de Poble Sec, en este caso, pero que se va adaptando allí por donde va. En este caso espectadores y actores se convierten en fugitivos y se dedican a huir.

Gracias a esta huida podremos descubrir el sentido de la fraternidad, la solidaridad y a vivir cautivos, siempre alerta de lo que pasará después. Poco a explicar realmente de la experiencia porque estas cosas son difíciles de explicar con palabras y es mejor vivirlas en primera persona. 

Eso sí, no sólo hay que ser una persona con buena movilidad y depende del momento con buen fondo físico, sino es necesario tener una confianza bastante desarrollada y no vale tener miedo a las alturas o claustrofobia. Lo que sería mi caso, quizás si hubiera ido prevenida, hubiera resultado diferente, porque esa parte me resultó un tanto dificultosa.

Fugit es un espectáculo que depende mucho de la respuesta del público, que necesariamente tiene que estar dispuesto a participar sin mediar palabra. No apto para todos aquellos que la confianza nos falle y no nos permita disfrutar con libertad de la experiencia. Las bicicletas son para el verano, pero Fugit requeriría más un tiempo diferente. El calor no ayuda a huir. Dos días después, creo que, a pesar del gran trato que las personas “especiales” tuvimos por parte de la organización, los nervios y miedos me jugaron una mala pasada.

28/7/17

LA GRENOUILLE AVAIT RAISON



CONCEPTO y DIRECCIÓN: JAMES THIERRÉE
INTERPRETACIÓN: SONIA “SONYA” BEL HADJ BRAHIM, OFÉLIE CRISPIN, SAMUEL DUTERTRE, HERVÉ LASSÏNCE, THI MAI NGUYEN y JAMES THIERRÉE
BESTIARIO: VICTORIA THIERRÉE
ESCENOGRAFIA y MÚSICA: JAMES THIERRÉE
DURACIÓN: 90min
FOTO: RICHARD HAUGHTON
TEATRE LLIURE (SALA FABIÀ PUIGSERVER, GREC 2017)

Ha tardado en llegar pero por fin llegó, el ESPECTÁCULO (sí en mayúsculas) del Grec2017 será La Grenouille avait raison. James Thierrée volvió a cautivar al público que llenaba a rebosar la platea de la Sala Fabià Puigserver. A la entrada un enorme telón de terciopelo rojo tapa la magia, los ojos como platos nada más que “sube” el telón y se destapa todo lo que escondía. Un universo mágico se presenta ante nuestras miradas atónitas y desde ese minuto nos convertimos en niños inocentes curiosos de ver que nos depara en el minuto siguiente.

La grenouille avait raison es un espectáculo lleno de misterios. La rana de James Thierrée nos conducirá hacía un viaje subterráneo donde diversos personajes nos muestran estampas humanas llenas de curiosidad, revancha, traición, corazones rotos y todo con un toque de absurdidad y grandes dosis de surrealismo.

Un mundo de sueños; de aspiraciones, una bien grande: salir de donde nos confina el mundo; romper barreras interpuestas... Thierrée lo consigue, sus 90 minutos de belleza elevada al máximo consiguen que salgamos de nuestra vida, incluso por momentos de nuestro cuerpo y admiremos los seres y sus vidas que pueblan el escenario.

Lo que no es de este mundo es la manera de moverse de los personajes. Espectacular el movimiento corporal (sincopado) y el amplio abanico gestual de la compañía de Thierrée, todo un conjunto de técnicas a medio camino entre el mundo el títere y el hip-hop (robot). La grenouille avait la raison es una mezcla de teatro, teatro de gesto, clown, danza, circo y humor absurdo, todo en su justa medida, una composición de espacio y tiempo magnífica.

Sin palabras delante de lo que sin duda es una de las escenografías más impresionantes que he visto en un teatro (no operístico ni musical). Es un de esos montajes que se deberían ver dos veces, uno desde platea y otro entre ‘cametes’ para quedarse maravillado con los recursos técnicos que requiere el montaje. ¿Quién mueve todos los hilos y/o cables que se visualizan desde platea? Impresionante.

Como se dice en inglés one lifetime show, eso es básicamente lo que sentí a la salida de La grenouille avait raison. Un espectáculo de esos que se te quedan en la piel y el cabeza para siempre. Sólo maldigo a la rana por haberme despertado, con lo bien que se estaba soñando en los mundos que dibuja James Thierrée. Hacía mucho tiempo que era tan feliz en una platea. Bestial. 

26/7/17

DOUAR



DIRECCIÓN ARTÍSTICA y COREOGRAFIA: KADER ATTOU
INTÉRPRETES: SIM’HAMED BENALIMA, FOUAZ BOUNECHADA, AMINE BOUSSA, MABROUK GOUICEM, RACHID HAMCHAOUI, SALEM MOUHAJIR, CHAOUKI SAÏD y HICHEM SÉRIR ABOALLAH
MÚSICA: MANUEL WANDJI
DURACIÓN: 60min
FOTO: JOAO GARCIA
PRODUCCIÓN: CIE ACCRORAP-DIRECTION KADER ATTOU
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

La inmigración como punto de partida y de final. Douar nos habla de esos inmigrantes que han conseguido el sueño, algunos ya de segunda generación que desde el confort de su casa en un país occidental como puede ser Francia miran con anhelo lo que pasa en su país de origen, Algeria. Las danzas urbanas son el lenguaje vertebrador para explicar la historia de estos jóvenes de diferentes países pero con algo en común, viven en un país, donde sueñan con la libertad y el ascenso social pero sueñan con el país de sus padres.

La sala MAC se nos abre con un letrero luminoso, un anuncio de locutorio en francés que anuncia las maneras de comunicación con el país de sus sueños. Poco a poco de él van surgiendo los nueve bailarines de la pieza. Rap, Hip-Hop, todo un serial de danzas urbanas, combinadas en determinados momentos con algún momento de teatro de gesto. Poderosísima capacidad de sorprender al público con las acrobacias de este tipo de danza.

Se combinan momentos con un ritmo más rápido, pero también momentos en los que se necesita tocar la fibra. El principal es el momento donde la inmigración se ha hace más visible en modo paquete/maleta envuelta y atada con cinta de embalaje. Su travesía por el desierto, ese que tanto a costado alcanzar y que cada uno vive a su manera, con mayor o menor resignación, con más o menos aceptación.

Se echa de menos algún personaje femenino en un elenco totalmente masculino. El papel de la mujer en la inmigración vuelve a quedarse en un segundo plano. Como ya pasó en el caso de Halka (en aquel caso había dos mujeres), aquí directamente se interpreta en masculino. En la ficha artística quedan relegadas al diseño de vestuario.

Douar son sesenta minutos intensos de entretenimiento para aquel espectador que no necesite ir más allá, pero que dan que pensar. Un más que interesante discurso entre medias de las diferentes disciplinas de danza. Uno de los dos espectáculos de danza más interesantes de este Grec 2017, juntamente con We love arabs, que han conseguido convencer con un discurso que transpasa la danza.

24/7/17

CINE


AUTORÍA, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ITSASO ARANA y CELSO GIMÉNEZ
INTERPRETACIÓN: ITSASO ARANA, FERNANDA ORAZI y PABLO UND DESTRUKTION
VOCES: ROBERTO BALDINELLI, JAVIER GALLEGO, MIREN IZA, EDUARDO G. CASTRO y ADRIANA SALVO
DURACIÓN: 85min
FOTO: MARIO ZAMORA
PRODUCCIÓN: FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA DE MADRID, LAS NAVES. ESPAI DE CREACIÓ DE VALÈNCIA y LA COMUNIDAD DE MADRID
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM, GREC 2017)

Desconcertada tras ver uno de los montajes más esperados de este Grec 2017. Y no porque no fuera sobre cine. El título hace referencia a kiné, que en griego quiere decir movimiento. El mismo que empuja al protagonista a buscar sus orígenes. Sino porque por muy preciosista que puede parecer el montaje desde fuera y lo interesante del tema, la dramaturgia se ha quedado a medio camino, en un quiero pero no puedo.

Cine habla de uno de los más de 300.000 casos de niños robados en España entre 1930 y 1980. Una historia como hay miles, pero en la que su protagonista que al igual que el espectador inicia su viaje para saber quiénes son sus padres biológicos y ese viaje es el espectáculo. De Madrid a Donostia, Italia y Barcelona. Entre medio de la historia principal, otras historias y el público mientras tanto disfruta de la más que notable banda sonora del espectáculo.

Una mezcla entre imaginación, realidad y ficción que desde la platea, a veces, es preciosista, a pesar de la tragedia, de la falta de respuestas que recibe el protagonista, y de aquellas respuesta que hacen daño. Historias que durante años se han escondido y que a pesar de haber salido a la luz, no importan a la mayoría de los que podrían aportar un poco de luz entre tanta oscuridad.

Desde la primera sorpresa que se lleva el público nada más entrar en la sala, veremos todo el espectáculo con unos cascos (headphones) puestos, una decisión que más allá de subrayar la incomunicación que sufre el protagonista buscando respuestas a su situación no es demasiado entendible. Entre la escena y la platea también existe un telón transparente que nos deja entrever las diferentes acciones, pero que da la sensación de estar viendo cine, de esa especie de pantalla que no buscas cuando lo que quieres es disfrutar del teatro. Definitivamente son dos elementos que alejan al espectador de lo que llamamos magia del teatro.

La misma pantalla nos deja apreciar la multiplicidad de capas que tienen los personajes que interpreta, una siempre brillante Fernanda Orazi, que no vemos tanto como nos gustaría por tierras barcelonesas. Es una pena que, por ejemplo, la escena de la cafetería queda lejos de los ojos del espectador, al fondo del escenario de la OM, me hubiera encantado poner cara a lo que sólo fueron palabras, y eso que estaba sentada en la quinta fila, no me quiero imaginar si hubiera estado en la última.

La disposición de los elementos en el escenario es difícil de explicar en un espectáculo que ganaría mucho con la cercanía del público. Al igual que es difícil de discernir el porqué de la dramaturgia. Si bien es cierto que se basa en una historia real, no entiendo que esté tan poco vestida. Ya no sólo de la manera abrupta que tiene de acabar, que porque el intérprete de la canción final te dice que el espectáculo ha acabado sino seguirías esperando que alguien colgara el The End

No sólo le falta ritmo, cosa que es evidente, en casi 90 minutos se pueden explicar uno y mil casos, sino también profundidad, es como si se pasara por la historia de puntillas. Una cosa es que sea un tema delicado y otra bien diferente es que lo cubramos todo con un velo que sólo nos deje ver parte de la historia. Ritmo, profundidad y crítica. El dramaturgia pasa de puntillas por la historia y se moja tan poco que ni siquiera se atreve a juzgar o a provocar al público para que juzgue por sí mismo. Si una de las funciones del teatro es la de provocar preguntas o cuestionar ciertos temas, Cine me ha dejado con el símbolo de pregunta bien abierto.

20/7/17

UTOPIA



DRAMATURGIA: PAU MASALÓ y FERRAN DORDAL
DIRECCIÓN: PAU MASALÓ
INTERPRETACIÓN: CRISTINA ARENAS, EDUARD AUTONELL, MELCIOR CASALS, MARINA CONGOST, ÀLEX MOREU y JÚLIA RODÓN
DURACIÓN: 80min
FOTO: ALFRED MAUVE
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA y COMPANYIA IGNÍFUGA
SALA HIROSHIMA (GREC 2017)

Un gran mesa alargada nos recibe nada más entrar en la sala; a la izquierda un pequeño apartamento como escondido en la oscuridad. Sobre la mesa un pantalla. Como se nos introduce en el programa de mano estamos delante de un collage de experiencias ante el significado de la palabra 'utopía'. 

En la mesa nos reciben sentados 5 actores/conferenciantes: Cristina Arenas, Eduard Autonell, Melcior Casals, Marina Congost y Júlia Rodon. La línea que separa el personaje del intérprete es fina. Siguiendo por la moda de mantener el nombre del actor al personaje se busca la máxima naturalidad. Melcior Casals ejerce de sabio, el será el encargado de exponer las diversas teorías político-social-filosóficas entorno al concepto de utopia. El resto de los ponentes se dedicarán a intentar entorpecer el discurso, intentando aportar sus propias experiencias para aportar ritmo.

Entre esas piedras en el camino del Melcior destaca una sublime Cristina Arenas, que utiliza la mejor arma, el humor. Sus acotaciones son hilarantes. Al igual que Marina Congost que intenta contener la verborrea filosófica de su compañero de mesa, pero que al no conseguirlo, las caras y los gestos que nos muestra son memorables.

La mesa representa la parte teórica de la utopía, la explicación de aquello que algunos han soñado con alcanzar en algún momento de sus vidas. A su lado nos encontramos una habitación donde reside Àlex Moreu, que harto de la vida en la ciudad, de tener que actuar por intereses, se marcho a vivir al campo en una cabaña, con sus normas e intentando sobrevivir sin o con poco dinero. Volviendo de alguna manera a recuperar la vida de las sociedades primitivas: el trueque, el cooperativismo, las personas. Él vive en su propia utopía, ha creado su comunidad utópica. No todo es teoría también hay práctica.

Entre medias encontramos la Barcelona del 92, una versión de la canción infantil ‘Big Rock Candy Mountain’, un viaje a la India con el posterior descubrimiento de la comunidad utópica Auroville, la relación entre el arte y la utopía, el utópico de casa nostra: Perejaume o incluso la utopia de ‘Las tres hermanas’: no hay nada más utópico que querer viajar a Moscú. 

La mezcolanza que en un montaje normal seria too much, la Companyia Ignífuga con la fantástica dramaturgia de Pau Masaló i Ferran Dordal (ganadora del Premi Adrià Gual 2016, que otorga el Institut del Teatre) ha conseguido dotarlo todo de un sentido y de que mientras te ríes de los momentos más surrealistas del montaje, esa surrealidad te lleve a cuestionarte las preguntas que subyacen continuamente del mensaje.

Utopia es un montaje crítico con la sociedad hipócrita que nos rodea, aquella que busca su propia utopia, a medio camino en una búsqueda de la felicidad pero siempre desde la búsqueda del propio beneficio. El público no es un agente pasivo, durante todo el espectáculo si per propia voluntad, cada persona no se ha cuestionado así misma, tendrá su momento final para hacerlo, aquí nadie sale indemne. 


PS: La camiseta de Marina Congost no tiene desperdicio. Es toda una pequeña utopía en sí misma. De modo general, creo que todavía no. Pero la Companyia Ignífuga está poco a poco poniendo su pequeña gota, su aportación, en ese mar general.

19/7/17

ONES



DRAMATURGIA: CREACIÓN COLECTIVA DE ONA BENEÏT, JOAN TOMÀS MÁRTINEZ y JOAN FULLANA
DIRECCIÓN: JOAN FULLANA
INTERPRETACIÓN: ONA BENEÏT
DURACIÓN: 50min
FOTO: ONES
PRODUCCIÓN: COL·LECTIU ONES con la ayuda de ILLENC
MERCAT DE LES FLORS (PB, GREC 2017)

Nada más entrar en la sala nos encontramos a la protagonista jugando a unos de esos juegos tan adictivos de juntar joyas o alguna cosa similar. Nos pide una partida más, y es que esto va de redes, de aplicaciones, de estar todo el día mirando para una pantalla como si nos tuviera absorbidos el cerebro, bueno quizás ya hace tiempo que nos lo absorbió.

Ones es un espectáculo con un objetivo claro, atraer a ese público joven que pasa sus horas muertas delante de la pantalla, pero intentando hacerle pensar en algo más, que detrás de cada nick de las una y mil aplicaciones que manejamos cada día: Facebook, Whatsapp, Tinder, Instagram… hay una persona, un ser humano que piensa, actúa, que tiene sentimientos y miedos. 

En este monólogo, la propia Ona se va preguntando si la tecnología lo ha invadido todo para siempre, si el ser humano ha dejado de mirarse a la cara, a hablarse, a compartir ratos juntos sin estar conectados mediante una pantalla de móvil. En definitiva si el ser humano está destinado a desaparecer. Al mismo tiempo se nos enseña la impaciencia en la que vivimos y lo que estas aplicaciones han conseguido, no sólo que estemos pendientes constantemente del aparato, sino que sólo nos interesa lo más inmediato y no vamos más allá.

El discurso que se desprende del montaje es de sobras conocido, lo hemos sentido antes. Con todo y eso, Ona intenta rellenarlo con anécdotas propias, su miedo a morir y su deseo de convertirse en ‘amortal’, una persona que sólo pueda morir por accidente y no por enfermedad. Un toque científico fuera de las Ones, o una conexión más profunda de la que una aplicación nos puede ofrecer.

Al hablarnos de un tema tan conocido, a Ones le falta ritmo. A pesar de que su duración es menos de una hora, el montaje cae en la repetición y el ritmo se vuelve lento y no acaba de conectar con un público que ya ha superado la adolescencia. Eso sí, cabe destacar la facilidad expresiva Ona Beneït que le da al monólogo un tono de naturalidad desde el principio. Quizás, simplemente habiendo pulido un poco el ritmo dramatúrgico, el público no caería en un dejà vu, de esto ya me suena.

EL BUIT



BASADO EN EL LIBRO EL BUIT DE ANNA LLENAS
IDEA ORIGINAL DEL ESPECTÁCULO: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS y SERGI OTS
ADAPTACIÓN ESCÉNICA, CREACIÓN y DIRECCIÓN: SERGI OTS
CREACIÓN y COREOGRAFIA: CIA ESTAMPADES y CIA IMPÀS
INTÉRPRETES: BERTA ESCUDERO, ELENA MASÓ, NEUS MASÓ, MARIONA MOYA y PAULA RADRESA (según reparto)
DURACIÓN: 45min
FOTO: EL BUIT
PRODUCCIÓN: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS, FESTIVAL TEMPORADA ALTA 2016 y KREAS- AJUNTAMENT DE GIRONA
MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2017)

Al entrar en la sala nos encontramos una caja blanca, el escenario y dentro de él otra caja blanca enorme con ruedas, que poco a poco se le irán quitando las capas, cual cebolla y se despertará la magia. Con un inicio muy marcado por la presencia de la danza, el espectáculo va mutando hacía un circo más orgánico, cuerda, acrobacias, rueda…

El buit es una espectáculo concebido para ser disfrutado a partir de los cinco años, pero una se pregunta en platea si los temas de los que trata están lo suficiente pulidos para que niños de esta edad puedan comprenderlo más allá de que visualmente sea precioso, toda una maravilla, para grandes y pequeños.

El miedo, ese factor implacable que nos encontramos en nuestra vida, el encontrarse con un agujero interior, cómo establecer la relación con ese miedo interior a hacer cosas, a tirarnos a la piscina sin pensárnoslo dos veces son los temas principales del montaje. El buit realiza toda una investigación sobre ese vértigo que no nos permite avanzar y nos muestra cómo ir venciendo al monstruo que hará que poco a poco el agujero se vaya empequeñeciendo.

Todo esto sin mediar una palabra, simplemente basándose en técnicas de circo y movimiento/danza. Además de la amplia riqueza visual con la que cuenta el espectáculo, según los entendidos del teatro familiar, estamos delante de un espectáculo de otra división, a lo que están acostumbrados a ver, el humor también tiene un peso importante. La incertidumbre se lleva mejor con una sonrisa.

Sin olvidarnos que tenemos la platea llena de infantes, y el mensaje tiene que ser positivo al final. Un final lleno de color que contrasta con la predominancia de los colores neutros del resto del espectáculo, donde la iluminación de Pep Arumí y Maria Martín pone el toque cálido a la acción. La escenografía de la Cia Estampades, la Cia Impàs, Laura Martín y Sergi Ots es excepcional. De hecho el montaje técnicamente supone un importante salto hacia delante del tradicional teatro familiar. Andreu Vilar Juanola es el encargado de la composición musical que supone la cuadratura perfecta del círculo.

El buit es un espectáculo valiente que trata al público de tú a tú, sin importarle si tiene cinco o ochenta años. Al fin y al cabo los miedos, aunque vistan un traje distinto aparecen cuando somos pequeños y, en la mayoría de casos, nos acompañan también durante buena parte de nuestra vida adulta.

15/7/17

PERRA DE NADIE



CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: MARTA CARRASCO
COLABORACIÓN ARTÍSTICA (VIGILANTES DE LA NOCHE): DOMINIQUE FALDA
DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: MARTA CARRASCO, PEP CORS y ANTONI VILICIC
CREACIÓN DE LA BANDA SONORA: MARTA CARRASCO
DURACIÓN: 60min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: COMPANYIA MARTA CARRASCO
SALA HIROSHIMA (GREC 2017)

Si hay una palabra que describa mi estado durante la hora de duración del espectáculo sería embelesada. La potencia escénica de Marta Carrasco me produce que no pueda despegar los ojos de sus actos. Con un público cómplice, Perra de Nadie recupera la figura de Lili, ya presente en su último espectáculo B-Flowers, y la transforma en una perra, para transcurrir por sus espacios más íntimos, allá donde nadie llega. Del maltrato inicial, a la liberación, la vuelta a la infancia, y finalmente un empoderamiento más que merecido después del viaje. 

A pesar de que el título podría presagiar una dureza temática, y la hay no hay duda, la manera con la que Marta Carrasco comienza el espectáculo, apelando a la ternura del espectador, deja a éste totalmente descolocado, profundamente tocado para todo lo que le espera después. La ternura se acaba, el montaje transita hacia momentos más oscuros. Impresionante, un impacto directo al corazón la escena de ‘gallinita ciega’ donde una venda cubre por completo su cabeza, incluyendo la cara, silencio sepulcral en la platea.

Perra de Nadie es un montaje que exige el dos cientos por cien de la artista y no cabe duda que Marta Carrasco se entrega y se deja la piel en el escenario. Además de las escenas visual y plásticamente más impactantes, el espectáculo destaca por su impresionante banda sonora, temas todos ellos escogidos por la propia Carrasco que van desde el mítico ‘Can’t take my eyes off you’ a ‘Gracias a la vida’ que popularizó Violeta Parra, pasando por ritmos más dance, bajo la sorpresa de los presentes.

Marta Carrasco pasa por todas las pieles, una de sus momentos más irreverentes es su transformación hacia lo que podría ser un conservadurismo americano de los años 60 mientras baila de una manera explícitamente sensual. La plasticidad estalla sometida a los dictámenes de lo que sería un burka, totalmente tapada, en una imagen que no ya por común, se hace más fácil de asumir.

Perra de Nadie acaba de manera performática, asumiendo otro tipo de piel, metiéndose en la piel de otra mujer, de otra perra de nadie, quizás la más libre de todas, sin cadenas y bajo una libertad creativa que le da un supuesto anonimato. Anónimas pero bien presentes, y parafraseando a Violeta Parra, “el canto de ustedes que es mi mismo canto”, las mujeres de Perra de Nadie son vivas y libres. 

Poderosísimo grito de libertad de Marta Carrasco que consigue poner al público de pie, en uno de los aplausos más largos y sonoros de lo que va de Grec 2017. Profundamente tocada y con la piel de gallina abandono la sala, más empoderada que ayer pero seguro que menos que mañana. Bravo y gracias, Marta!

CLEAN CITY



AUTORIA y DIRECCIÓN: ANESTIS AZAS | PRODROMOS TSINIKORIS
DRAMATURGIA: MARGARITA TSOMOU
INTÉRPRETES: LAURETTA MACAULEY, ROSITSA PANDALIEVA, FREDALYN RESURRECCION, DRITA SHEHI y VALENTINA URSACHE
DURACIÓN: 70min
FOTO: CHRISTINA GEORGIADOU
PRODUCCIÓN: ONASSIS CULTURAL CENTRE-ATHENS y GOETHE INSTITUT, dentro del proyecto EUROPOLY
TEATRE LLIURE (FABIÀ PUIGSERVER, GREC 2017)

Clean City es una manera de ver y explicar la situación de Grecia actual y de los años más duros de la crisis desde la perspectiva de los inmigrantes. El título del espectáculo hace alusión al lema que durante los peores momentos de la crisis económica resonaba en el país “Hacer Limpieza” y los griegos que necesitaban una cabeza de turco miraron directamente a los inmigrantes para culpabilizarlos de la situación. Inmigrantes sí, pero también mujeres, mujeres que se dedican a limpiar, mujeres de la limpieza. La limpieza entendida como un todo, como una excusa, el neofascismo y los ‘nuevos’ grupos neonazis en la lejanía, la respuesta para ejecutar esa limpieza.

La dramaturgia de Clean City está basada en los testimonios reales de las cinco mujeres de la limpieza venidas de aquí y de allá: Filipinas, Bulgaria, Albania, Sudáfrica… Cada una con sus diferencias y similitudes. Con el humor como excusa para ver la vida de la mejor manera nos empiezan explicando cómo fue su llegada a Grecia, porqué eligieron el país, si hubo o no reagrupación familiar y cuánto cuesta vivir. Lo que sí han tenido claro siempre es que trabajaban duro para que a su familia no le faltará nada y sobre todo para que sus hijos tuvieran una vida mejor que la suya. 

Impresionante oír sus testimonios de sus propias voces y en sus propias carnes. Su empoderamiento como mujeres delante de la adversidad, tener que abandonarlo todo para buscarse la vida, todo un ejemplo de superación diaria, para que un día llegue la crisis y sean las primeras en sufrirla, con un recorte de derechos, de salarios, de vida, de futuro. Ni una lágrima, simplemente el convencimiento de que la vida sigue, y la de sus hijos será muy diferente a la de ellas.

Sus parlamentos de cara al público se mezclan con números musicales interpretados también por ellas como ‘She work hard for the money’, que a pesar del contexto despierta más de una sonrisa en la platea. Clean City es un montaje de aquellos que te toca la vibra y el final no podía ser menos, la emoción a flor de piel. Una gran demostración de ternura. Después de llevar 20 años de vida trabajando duro para sobrevivir en su país de acogida, ahora éste las trata como ciudadanas de segunda. Espectáculos como Clean City sirve para dar voz a aquellas historias que se esconden de la luz pública, pero no debería quedarse en una simple denuncia pública de su situación. Un ejemplo de lo que en nombre de la ‘verdad’ nos esconden. Bravo!