LA CALAVERA DE CONNEMARA

/ 19:06


de MARTIN MCDONAGH
traducción y adaptación de PAU GENER sobre la idea de IVAN MORALES
dirección IVAN MORALES
intérpretes POL LÓPEZ, MARTA MILLÀ, ORIOL PLA y XAVI SÁEZ
duración 1h 35min
fotografías DAVID RUANO
producción FOCUS
LA VILLARROEL

Entro en la sala con el pie cambiado, ya que pensaba que venía a ver un drama y minutos antes me entero que es una comedia. Gajes del oficio, no querer saber demasiado antes de verla para no ser contaminada. 

La calavera de Connemara nos translada a la Irlanda (oeste) verde, apática y alcohólica donde la vida es lo que pasa entre trago y trago. En el dossier de prensa, Ivan Morales la describe como una comedia negra de amor y huesos. Humor hay, a radaules, amor poco y huesos muchos, algunos todavía conservan su abrigo de piel.

Ivan Morales ha jugado con amplificar la comedia, tanto que a veces el espectador puede pensar que le están poniendo (excesivamente) en bandeja. Está claro que el protagonismo recae en los dos magos de la nueva generación cómica del país, Pol López y Oriol Pla.



Aunque los momentos más cómicos los protagoniza Mairtin Hanlon (Oriol Pla), ha llevado su personaje tan al límite que en muchos casos ha superado la delgada línea roja del histrionismo. Hay algo de su interpretación que chirría, sus momentos de "garrulo" por ejemplo son cansinos y repetitivos.

Todo lo contrario que Mick Dowd (Pol López) que ha sabido jugar con la justa medida de sus movimientos y gestualidad. Los momentos donde podía estar más pasado de vueltas, como por ejemplo en sus estados de ebriedad nos regala una interpretación contenida y llena de matices pero sin sobrepasar ninguna línea.



Justamente es Mick Dowd quien nos regala los mejores momentos de la noche cuando aparece acompañado de Maryjohnny Rafferty (Marta Milà), una brillante secundaria, cuyas apariciones en escena son como un soplo de aire nuevo entre tanta miseria humana. Completa el reparto Thomas Hanlon (Xavi Sáez) un detective que aspira a triunfar.

El diseño de movimiento de David Climent (Los Corderos) es una pieza clave en la obra, sobre todo en un momento mágico protagonizado por el Nothing compares to you de Sinead O'Connor. Sin duda el momento más mágico y quizás, el que dentro de un tiempo recordaremos de la obra.



Otro de los puntos fuerte es la escenografía firmada por Marc Salicrú, que por fin ha salido de su espiral de burbujas y esta vez nos sumerge en la campiña irlandesa con una puesta en escena magnífica.

La  trama de La calavera de Connemara no da para mucho, pero Ivan Morales, con algún que otro pero, ha sabido conseguir sacar oro entre tanto calcio. Eso sí, es una oportunidad, esperemos que no única, para ver a un reparto magnífico en escena.

PS. Un último apunte en forma de deseo. Durante buena parte de la obra estaba pensando lo genial que sería una obra sin texto protagonizada por Pol López y Oriol Pla. Como se ha demostrado en La Calavera de Connemara, el texto es secundario, su magia se puede sentir en mute. 




de MARTIN MCDONAGH
traducción y adaptación de PAU GENER sobre la idea de IVAN MORALES
dirección IVAN MORALES
intérpretes POL LÓPEZ, MARTA MILLÀ, ORIOL PLA y XAVI SÁEZ
duración 1h 35min
fotografías DAVID RUANO
producción FOCUS
LA VILLARROEL

Entro en la sala con el pie cambiado, ya que pensaba que venía a ver un drama y minutos antes me entero que es una comedia. Gajes del oficio, no querer saber demasiado antes de verla para no ser contaminada. 

La calavera de Connemara nos translada a la Irlanda (oeste) verde, apática y alcohólica donde la vida es lo que pasa entre trago y trago. En el dossier de prensa, Ivan Morales la describe como una comedia negra de amor y huesos. Humor hay, a radaules, amor poco y huesos muchos, algunos todavía conservan su abrigo de piel.

Ivan Morales ha jugado con amplificar la comedia, tanto que a veces el espectador puede pensar que le están poniendo (excesivamente) en bandeja. Está claro que el protagonismo recae en los dos magos de la nueva generación cómica del país, Pol López y Oriol Pla.



Aunque los momentos más cómicos los protagoniza Mairtin Hanlon (Oriol Pla), ha llevado su personaje tan al límite que en muchos casos ha superado la delgada línea roja del histrionismo. Hay algo de su interpretación que chirría, sus momentos de "garrulo" por ejemplo son cansinos y repetitivos.

Todo lo contrario que Mick Dowd (Pol López) que ha sabido jugar con la justa medida de sus movimientos y gestualidad. Los momentos donde podía estar más pasado de vueltas, como por ejemplo en sus estados de ebriedad nos regala una interpretación contenida y llena de matices pero sin sobrepasar ninguna línea.



Justamente es Mick Dowd quien nos regala los mejores momentos de la noche cuando aparece acompañado de Maryjohnny Rafferty (Marta Milà), una brillante secundaria, cuyas apariciones en escena son como un soplo de aire nuevo entre tanta miseria humana. Completa el reparto Thomas Hanlon (Xavi Sáez) un detective que aspira a triunfar.

El diseño de movimiento de David Climent (Los Corderos) es una pieza clave en la obra, sobre todo en un momento mágico protagonizado por el Nothing compares to you de Sinead O'Connor. Sin duda el momento más mágico y quizás, el que dentro de un tiempo recordaremos de la obra.



Otro de los puntos fuerte es la escenografía firmada por Marc Salicrú, que por fin ha salido de su espiral de burbujas y esta vez nos sumerge en la campiña irlandesa con una puesta en escena magnífica.

La  trama de La calavera de Connemara no da para mucho, pero Ivan Morales, con algún que otro pero, ha sabido conseguir sacar oro entre tanto calcio. Eso sí, es una oportunidad, esperemos que no única, para ver a un reparto magnífico en escena.

PS. Un último apunte en forma de deseo. Durante buena parte de la obra estaba pensando lo genial que sería una obra sin texto protagonizada por Pol López y Oriol Pla. Como se ha demostrado en La Calavera de Connemara, el texto es secundario, su magia se puede sentir en mute. 


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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) 
Fotos: Vicente R.

Iron Skulls inaugura la temporada del Espai Dansat (el espacio de danza del SAT! Teatre). El colectivo vuelve a apostar por seguir desarrollando su lenguaje de movimiento ecléctico y divergente, interesándose por la energía negativa y la herencia Mediterránea.

Ideado con motivo del 4º aniversario de la muerte de Cervantes (1616), No sin mis huesos se centra en el contexto sociocultural del autor y la gran diversidad de culturas que le influenciaron como escritor y soldado. Cervantes es un ejemplo de la transformación de la energía negativa en arte debido a su incapaz como soldado de luchar, energía que dedicó a la literatura.



No sin mis huesos revive el pasado de nuestra civilización a través de la danza sufí, la Haya Nagila y la danza tradicional española, lo que nos permite ver el legado que han dejado culturas como la cristiana, la árabe y la judía en el Mediterráneo. Pero, como es habitual en Iron Skulls, también están presentes danzas urbanas, el contact y el butoh fusionándose en este viaje al pasado que nos permitirá interpretar el presente. La danza se convierte en un elemento conciliador, nexo y defensor de ideales.

No sin mis huesos. Cia. Iron Skulls.
20 y 21 de octubre. 20:30h.
SAT! Teatre.
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)
Fotos: David Ruano

El segundo estreno de la temporada del TNC viene marcado por la fiebre del oro. Nos trasladamos a la América rural de 1850 con unas características muy marcadas: la propiedad, Dios/religión, la patria, la bandera y la lengua. La obra está escrita en 1924 por "un visionario" como le describe Joan Ollé. 

Mientras la fiebre del oro hace que los jóvenes marchen hacia el Oeste, un viejo granjero del sur se mantiene aferrado a su antigua tierra de piedras que con el esfuerzo de toda una vida ha conseguido convertir en tierra cultivable. Cuando sus tres hijos descubren que se ha vuelto a casar con una mujer mucho más joven que sólo busca recoger la herencia, estallaran todas las tensiones acumuladas al largo de los años en los muros de esa propiedad.

Eugene O'Neill es uno de los autores más desconocidos de Catalunya, "se representa poco, quizás por temas económicos, hasta ahora era imposible representar una obra como Desig sota els oms por el número de actores en escena. A los principales se han incorporado unos 'figurantes' de los que te sonarán los nombres: Eduard Muntada, Laura Pujols, Gal·la Sabaté, Noël Olivé y los músicos: Àngel Cerdanya 'El Sueco', Iban Beltran/ Carol Duran y Lluís Gómez.

El sueño americano se convierte en la pesadilla americana en el 1929  (Joan Ollé)

Hay una figura muy presente en la obra, Dios, que en palabras de su director "tiene reminiscencias con Trump". Pero no sólo de Dios vive el hombre, Desig sota els oms también está muy influenciado por la tragedia griega. De hecho según Josep Fontana, autor del prólogo de la versión editada por Arola y el TNC, "es una transcripción de Hipólito de Euripides, eso sí con el cambio de escenario, espacio rural de la América de mediados del siglo XIX.

Y lejos de la Grecia clásica, el texto de O'Neill también nos recordará autores más contemporáneos, ya que tiene numerosas referencias a autores clásicos como Strindberg, Ibsen o Chéjov.



Una de las sorpresas de esta versión es el lenguaje por el que se ha optado, ya que la obra está escrita en un slang anglo-irlandés y a la hora de traducir no 'quedaba bien' optar por un catalán normativo (TV3 style). Por lo que podremos escuchar algo similar al catalán que se habla en la comarca de la Garrotxa.

La puesta en escena también esconde alguna sorpresa, ya que el escenario es giratorio y nos permitirá entrar en cada una de las habitaciones de la casa. A pesar de que estamos en la América rural de 1950, según uno de sus protagonistas, Pep Cruz "es una obra muy catalana, porque se saca pan de las piedras, han conseguido hacer fértiles unas tierras llenas de piedras, éste el espíritu de los catalanes, que han hecho lo mismo con buena parte de las tierras gironinas."



Otra de sus protagonistas, Laura Conejero ha destacado la importancia que para su personaje tiene la propiedad. "Para ella (Abbie) es lo primero, se casa para tener una casa en propiedad. No es la fiebre del oro, es la fiebre de la propiedad. Ella utiliza a su marido (Cabot, Pep Cruz), y su marido la utiliza a ella. Los problemas llegan cuando se enamora y además lo hace de unos de los hijos de su marido (Eben, Ivan Benet)."

Todos los protagonistas coincidem en las palabras de Ivan Benet, "es una obra que para el espectador será como vivir una realidad paralela, ideal para sumergirse en los tiempos que estamos viviendo".



La falta de espectadores en las salas, debido a los recientes acontecimientos político sociales ha estado muy presente en la rueda de prensa de presentación de Desig sota els oms que nos ha dejado dos perlas como éstas:

Si dejamos de ir al teatro es una derrota, pequeña, pero una derrota. (Pep Cruz)

Els catalans si alguna cosa sabem fer és pa amb tomàquet i teatre (Pep Cruz)


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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

El Festival IF cumple tres años y con su oferta ya consolidada en la ciudad de Barcelona, da un paso más y este año se expande a Santa Coloma de Gramanet. Su propuesta por dar a conocer la concepción contemporánea del teatro de objetos, títeres y propuestas visuales ha conseguido hacerse un hueco en el panorama de las artes escénicas de Barcelona.

Con un presupuesto sobre los 40.000€, la tercera edición del IF se celebrará entre el 9 y el 19 de noviembre en el Arts Santa Mònica, en el Institut del Teatre, en la Sala Hiroshima, en el Hangar y en diversos espacios de Santa Coloma de Gramanet.

Si hay una característica que define al Festival IF es que es bianual. En los años pares se presentan working progress a los que se realiza un acompañamiento artístico y en los años impares, como este 2017, se muestran los proyectos ya acabados.

"El Festival IF busca un diálogo entre la tradición y la contemporaneidad", afirma Toni Rumbau, creador del festival.

El festival ha traspasado fronteras y se han establecido intercambios con países como Italia, Festival Incanti de Torí y Francia, Festival MIMA de Mirepoix. Al igual que otros centros de producción nacionales han acogido propuestas como el Festival TNT, el Teatre Principal de Palma o el Centre d'ary la Panera de Lleida.

En esta edición se podrán ver diez propuestas, cinco de las cuales forman parte de las residencias del festival.

RESIDENCIAS




BeAnotherLab: Library of Ourselves
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 16 al 18 de noviembre en la Biblioteca Central de Santa Coloma

Experiencia inversiva que permite al público experimentar en primera persona las historias personales de la comunidad de inmigrantes de Barcelona mediante la combinación de técnicas de realidad virtual, las ciencias cognitivas y la performance.



Enric Farrés: Res és meu
11 de noviembre (20.30h) - Hangar

Partiendo de los soportes museográficos diseñados en 1968 por Lina Bo Bardi, Enric Farrés coge la idea de vaciar de sentido las posibilidades narrativas de los soportes expositivos, que siempre han tenido un papel marginal en el arte.

No tengo ni idea de teatro, he tenido que realizar consultas a amigos como Pol López o el colectivo que forma El Conde de Torrefiel porque con el teatro que veo no me siento identificado. De esta distancia surge 'Res és meu'


David Espinosa: El Tríptic
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 17 al 19 de noviembre a Can Ssteré- Centre d'Art Contemporani (Santa Coloma)

David Espinosa busca crear juguetes para adultos, un juego entre forma, luz y sonido. Tres dispositivos componen El Tríptic, explorando las posibilidades performativas de la escultura y entregando al público el control de la acción: Bwana Devil, pieza blanca basada en los grandes éxitos del cine; Oro feo, pieza dorada que explora la relación entre la imagen y el sonido a partir de grandes éxitos de la ópera y el rock; Odile y Schelkúnchik, pieza negra que explora la relación entre la imagen y el movimiento a partir de los grandes éxitos del ballet clásico y la danza contemporánea.



Xesca Salvà: Cases
Del 10 al 12 de noviembre (11h-21h) en el Arts Santa Mònica
Del 17 al 19 de noviembre (17h-20h) en el Teatre Josep Maria de Sagarra (Santa Coloma)

Tres maquetas de casas, dos espectadores por maqueta, tres experiencias diferentes de 15 minutos. Los espectadores llevarán auriculares donde sentirán una mezcla de historias de instrucciones para que hagan las acciones y manipulen los objetos.

Es una reflexión sobre la memoria de los objetos y sobre el espacio como edificación audible y del sonido como arquitectura sonora que construye espacios emocionales. La acción se acaba convirtiendo en un 'intersticio social', un espacio de relaciones humanas con la diversidad de posibilidades de intercambio donde la gente se tiene que relacionar con la obra y con todo lo que ofrece.



Federica Porello: We Wood
10 de noviembre (18h) en el Institut del Teatre

Es el único espectáculo que sigue en working progress hasta el verano del 2018, pero en el IF explicarán su método de trabajo y enseñarán parte de su working progress. La compañía trabaja con objetos sin historia, neutros, básicamente maderas sin nada que las caracteriza, y como éstas se mezclan con los cuerpos, la danza/movimiento y los objetos/maderas. 

Busco un diálogo entre la danza y los objetos. Y también establecer una narrativa a partir de la experiencia y de los objetos.


OTROS ESPECTÁCULOS

Los dos espectáculos siguientes forman parte de la jornada inaugural del festival, el 9 de noviembre a partir de las 19h en el Arts Santa Mònica.

Si se diera un cuerpo al bullicio.
Constanza Brncic y Nuno Rebelo
9 de noviembre (20h) en el Arts Santa Mònica

La pieza explora la relación entre movimiento y producción de sonido, trabajando a partir del desarrollo de estructuras que generan diversas composiciones fluctuantes entre el azar y lo necesario. Los intérpretes utilizan diversos objetos i instrumentos que, amplificados, producen un espacio sonoro y al mismo tiempo hacen aparecer imágenes y acciones. Una pieza a medio camino entre el concierto y la performance.

Luminic.
Besllum y Octavi Rumbau
9 de noviembre (20h) en el Arts Santa Mònica

A partir de un trabajo de investigación sobre luces y sombras se crea un espectáculo de manipulación dramática a tiempo real que rememora los inicios del cine. La exploración sonora de Octavi Rumbau, basada en la originalidad y en el juego con la percepción del tiempo y sus paradojas, facilita que la propuesta sea un calidoscopio de posibilidades en una dramaturgia infinita.

Tres últimas propuestas:


  • Veus de Txernòbil de Companyia Potcuia (10 de noviembre, 18h, Institut del Teatre): Alumnos del itinerario visual del Instituto del Teatro presentan esta propuesta que da voz a historias reales de los protagonistas que vivieron los hechos acaecidos en la central de Chernobyl en 1986.

  • Duel d'Orlando i Rinaldo per amor de la bella Angèlica de Companyia Opera dei Pupi Brigliadoro (Palermo, Sicilia) (17 de noviembre, 21h, Teatre Josep Maria de Sagarra, Santa Coloma): El teatro Pupi de gran tradición en Italia se representa en contadas ocasiones en Barcelona/Catalunya y desde 2011 es patrimonio inmaterial de la humanidad. En este caso los dos protagonistas son los héroes de la conocida Historia de los Paladinos de Francia, un conjunto de temas e historias medievales centradas en la corte de Carlomagno y sus caballeros.

  • El traje del emperador de Siesta Teatro (Andalucía) (19 de noviembre en doble función, 11h y 13h, Teatre Josep Maria de Sagarra, Santa Coloma): Basado en el cuento del Conde Lucanor, en una versión d'Andersen, esta fábula de aquel que crea nada pero que los que están a su alrededor avalan como si hubiera creado la octava maravilla. Según palabras de su creador, Luis Zornoza Boy, un espectáculo sobre el 'borreguismo humano'.

Y por últimos el Festival IF también presenta dos laboratorios de creación:

  • Em falten dits. Laboratorio de creación de Xavier Bobés. Un laboratorio de manipulación de objetos en el Teatre Josep Maria de Sagarra de Santa Coloma de Gramanet sobre la idea del tiempo. (18 de noviembre a las 19h)

  • Wreck. Llistat d'experiències extintes. Workshop con Pietro Marullo. (16 de noviembre 20.30h, Sala Hirohima) Un ejercicio interdisciplinario que incorpora el movimiento, el sonido y las artes visuales. Un gran objeto negro en escena que actúa con un gran poder evocador, se traga y escupe seres humanos, cuerpos desnudos, tal y como lo hubiera hecho Leviatán, un monstruo legendario submarino o sin bajar a las profundidades, una gran metáfora del capitalismo.

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de LLUÏSA CUNILLÉ
dirección XAVIER ALBERTÍ
intérpretes JORDI ORIOL, PAULA BLANCO, ABEL RODRÍGUEZ, ORIOL GENÍS, JOAN ANGUERA, LURDES BARBA, ALBERT PRAT, JOAN CARRERAS, ALBERT PÉREZ y ÀUREA MÁRQUEZ
duración 2h
fotos MAY CIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA PETITA (TNC)

Durante unos años, desayunábamos, comíamos y cenábamos con la crisis. Esa que ahora se nos presenta como terminada (sic) y que Lluïsa Cunillé ha tomado como telón de fondo o punto de partida de esta historia. En ella un chico emprende la búsqueda de su madre, cuál Marco, de su Islandia natal a Nueva York.

Fue en Islandia donde hace más de diez años que estalló la economía y para muchos se hizo añicos sus sueños de grandeza. Pero la historia de este chico parece alejado de los problemas que ocurren a su alrededor, él sólo busca a su madre, y quizás las respuestas que en su corta edad, quince años, nadie le ha dado.

Una estética totalmente neoyorquina, ya que está ambientada en una reproducción de los bajos fondos de la Gran Manzana que lo mismo sirve para representar un metro, que una perrera o incluso la catedral de Saint Patrick. Eso sí, la dureza la crisis se pone de manifiesto en una escena excesivamente fría, donde transitan personajes tan o más gélidos que ella.



La dramaturgia de Lluïsa Cunillé, claramente identificada en las dos primeras escenas y que en las posteriores se queda más difuminada, nos regala en cada personaje un conjunto de perlas, que a modo de titular servirían para describir la obra. Son pequeñas frases que caen en medio del hastío existencial como pequeñas pullas. 

Islàndia es una obra muy coral donde el máximo protagonismo lo tiene Abel Rodríguez que interpreta al chico que busca a su madre. Un actor desconocido proveniente del teatro amateur y al que de momento le cuesta encontrar su ritmo y entonación. Debe ser su corta edad, pero todas sus réplicas suenan igual, sin importar si está contento, triste, preocupado. No hay una profundidad, su personaje es monótono y que esté todo el rato en escena contribuye a que el ritmo general de la obra no sea el adecuado.



Por suerte para el espectador el resto del reparto es de gran altura. Entre ellos destaca con una magistral voz e interpretación de Joan Anguera, que sería capaz de vender humo a cualquiera. De la misma manera que una más que soberbia Lurdes Barba, sin duda su escena es una de las más aplaudidas del montaje. Y una Àurea Márquez que le está cogiendo el gusto a los personajes extravagantes.

Las dos horas de duración son excesivas para el óptimo desarrollo de la acción. Algunos silencios comunican más que algunas réplicas y entre tanto personaje, alguno de ellos del todo prescindible, se pierde la esencia, el porqué de todo junto. Lo que comienza como un viaje de búsqueda, se convierte en un viaje de pérdida de la inocencia ya que como bien afirma el personaje de la mujer mayor (Lurdes Barba), "los justos acaban pagando por los pecadores".


ISLÀNDIA

by on 18:46
de LLUÏSA CUNILLÉ dirección XAVIER ALBERTÍ intérpretes JORDI ORIOL, PAULA BLANCO, ABEL RODRÍGUEZ, ORIOL GENÍS, JOAN ANGUERA, LURDES...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La Sala Hiroshima nació para dar un significado distinto a las salas de danza de Barcelona, para crear un espacio que no existía más que en alguna sala off del off. Instalada a escasos metros del Paral·lel en dos temporadas se ha convertido en cita obligada de los amantes del género, dispuestos a verse sorprendidos por una programación ecléctica y con amplio carácter internacional.

Gastón Core, director artístico de la sala, comienza la presentación de temporada confiado en que su proyecto funciona:

He dejado de contar años, he decidido que cuando un proyecto llega a la tercera temporada es porque ya está consolidado.

Las cifras le dan la razón, en los dos años y medio de andadura han logrado conseguir la mágica cifra de 20.000 espectadores con una ocupación media del 60%, 330 funciones y 145 compañías/artistas. Además se han realizado más de 2.600 visitas profesionales (encuentros, sesiones de trabajo, showcases, foros especializados, etc.)

Toda la razón del mundo, ir a la Sala Hiroshima es como una especie de peregrinaje que muchos ya hacen semanalmente y, en muchas ocasiones, con los ojos cerrados, bien porque van a ver un artista en concreto, conocido, bien porque se dejan sorprender con uno de las decenas de propuestas de nombres desconocidos, habitualmente de la escena internacional.



El eje temático de esta temporada es la identidad colectiva, desde las tradiciones populares catalanas y del Mediterráneo, investigadas por Aina Alegre, pasando por la samba del carnaval del brasileño Reinaldo Ribeiro a una investigación sobre los fenómenos de masas que generan las redes sociales de Núria Guiu.

En esta nueva temporada se ha querido ir más allá. Una vez consolidada la oferta internacional se busca poner el focus en la creación local para lo que se establecerán acompañamientos artísticos y/o residencias artísticas. En esta temporada serán: Lautaro Reyes, Eulàlia Berguedà, Núria Guiu, Kotomi Nishiwaki, Aina Alegre y Reinaldo Ribeiro.

Además también se quiere hacer hincapié en la búsqueda de nuevos públicos, pero tal y como afirma Gastón Core, "no se trata de inventar la rueda, sino de establecer nuevas herramientas de promoción". Deja en el aire qué está preparando en este aspecto. Tendremos que esperar para descubrirlo.


"The longest festival of the year"

Éste es el eslogan bajo el cual se presenta la  programación de la cuarta temporada  y cuyo contenido es imposible de resumir (19 propuestas locales + 18 propuestas internacionales), por eso he optado por escoger algunas propuestas que, así de entrada, se podrían convertir en lo que comúnmente se conocen como imperdibles:



  • MIÉRCOLES 18 DE OCTUBRE. Esta temporada se inauguran los programas dobles. Uno de ellos será el protagonizado por las piezas de Albert Quesada, Solo Bach & Glenn que invita al espectador a percibir y escuchar las obras clásicas desde un punto de vista coreográfico. Comparte sesión con la joven coreógrafa brasileña Aline CorrêaResistência, que investiga la resistencia del cuerpo a través de las diferentes maneras de caer y de cómo su cuerpo impacta contra la tierra.



  • DEL 20 AL 30 DE DICIEMBRE: L'última cena / The last supper de Atresbandes. Una performance donde los espectadores serán los invitados a sentarse en la mesa con los intérpretes. Juntos revisarán las últimas palabras de héroes, estrellas y condenados a muerte a través de los trece "últimos menús".


  • DEL 19 AL 21 DE ENERO: Eulàlia Berguedà presenta Nixie (Deep Inside) dentro del programa INEXCHANGE que propone intercambios de residencia para piezas en creación. La coreógrafa presenta en este solo un viaje submarino lleno de referentes femeninos (desde la sirena hasta la diva) que contrapone a la voz masculina de la superficie.


  • SÁBADO 3 Y DOMINGO 4 DE FEBRERO: Albert Arribas y Sílvia Delagneu presentan Orationibus #SR, obra incasificable donde los dos jóvenes directores se enfrentan al mundo de la lírica, el cabaret y la performance.


  • SÁBADO 17 Y DOMINGO 18 DE FEBRERO: La protagonista de la imagen de la temporada (foto que encabeza toda la crónica), Núria Guiu presenta Likes donde analiza dos de los fenómenos más populares de Youtube: el cover dance y los tutoriales y vídeos sobre las diferentes técnicas de yoga. Desde una perspectiva sociofntropológica, la artista aborda un discursos sobre el valor social de un like en nuestras sociedades digitales.


  • VIERNES 9 Y SÁBADO 10 DE MARZO: La quebequesa Daina Ashbee presenta Pour una oda al cuerpo femenino y su naturaleza que lleva implícita una denuncia sobre su posición en el mundo. De una plasticidad absoluta, la pieza sorprende por el trato del espacio y por la maravillosa intérprete que se sitúa en un territorio expresivo desconcertante, misterioso, interpelando la mirada del espectador con la mirada, la desnudez y la precisión de movimientos.


  • DEL 23 AL 25 DE MARZO llega una de las piezas más esperadas, Canibalismo de Lautaro Reyes (chileno afincado en Catalunya). Pieza para cuatro intérpretes, el coreógrafo trabaja el movimiento como un mecanismo capaz de generar estados mentales. Lautaro establece un diálogo coreógrafo con el espectador a través de herramientas sencillas como la repetición, el canon y la variación, construyendo un marco de exposición formal.


  • VIERNES 22 Y SÁBADO 23 JUNIO. El colofón de final de temporada tiene como protagonistas a Leslie Mannès & Amaranta Velarde + Alba Corral con Atomic 3001 + Mix en scène. Un proyecto que nace del intercambio de artistas en residencia de la temporada (Bélgica- Catalunya). Una nueva visita sobre la pieza de Amaranta Velarde y Alba Corral que ya habían presentado a la sala y, que en esta ocasión se les suma la de la artista valona Leslie Mannès, un ritual futurista que lleva a la artista a una alienación física hasta el punto de convertirla en una máquina de hablar.

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dramaturgia: MARC MARTÍNEZ, MIGUEL CASAMAYOR y MARTA PÉREZ
letra y música: MARC MARTÍNEZ
dirección: MIGUEL CASAMAYOR y MARTA PÉREZ
técnico: JOAN SCUFESIS
duración: 1h 50min (aprox.)
fotos: David Ruano y Paco Amate
producción: SINGLOT FESTIVAL, MARC MARTÍNEZ, EL TERRAT, THEPROJECT y TARTAR FILMS
TEATRE REGINA


Después del shock dramático de la bestialidad policial del pasado 1 de octubre, mi cuerpo y mi cerebro no estaban preparados para ver nada que requiriera un poco más de concentración. Nada de dramas, ya estamos viviendo uno en propia piel. Así que ni corta ni perezosa me apunté a una terapia garantizada de risas, Humor i Hòsties.

Por primera vez entro en la sala sin ni siquiera preguntar la duración del espectáculo, me da igual, sólo quiero olvidar por un rato lo que me volveré a encontrar en la puerta cuando salga. Primera visita al Teatre Regina, sorprendida de la comodidad, tan buscada últimamente, de sus butacas. Preparadas las ganas de reírme. ¡Qué comience el show!



Aparece Marc Martínez, guitarra en mano y empezamos cantando, para aclimatarnos a la montaña rusa a la que te somete el espectáculo. Un repaso por su infancia real o inventada en el barrio chino de Barcelona, cuando no había sido invadido por los guiris. 

Treinta años de tablas se notan, y mucho, Marc Martínez, tras 10 meses paseando el show, le ha cogido todos los puntos y lo maneja a su antojo, adaptándolo a los últimos acontecimientos político-sociales, con numerosos guiños al público. No sabemos nada de la cuarta pared, el público está presente durante las casi dos horas de duración (que se dice pronto pero para un monólogo es una duración casi extrema), somos parte de un mismo barco.



La dramaturgia toca todos los palos de la emoción, pero sin caer en sentimentalismos. Es una espectáculo hecho a imagen y semejanza de su creador: gamberro, divertido, crítico, rebelde, multicultural, desde la Catalunya real y para la Cataluña real. Todo un arma de seducción masiva que engancha al público durante dos horas de risas non-stop en un monólogo que no deja títere con cabeza.

Una hora puede ser infinita, pero aquí no nos hubiera importado pertenecer a ese infinito, dos horas que han pasado volando. Anécdota tras anécdota hemos llegado al final per con la sonrisa todavía reflejada en el rostro y tarareando las canciones, la rumba catalana ya lo tiene, se te van los pies por mucho que la tristeza esté todavía presente. Hemos salido ganando, dos horas de normalidad. Y aunque sólo sea por un momento, la burbuja del teatro nos ha hecho soñar con la idea de que todo es posible. 

HUMOR i HÒSTIES

by on 18:22
dramaturgia: MARC MARTÍNEZ, MIGUEL CASAMAYOR y MARTA PÉREZ letra y música: MARC MARTÍNEZ dirección: MIGUEL CASAMAYOR y MARTA PÉREZ ...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

En medio de la era de la sobreexposición permanente de todos, cuesta creer que alguien pueda triunfar a la sombra de todo y todos. Hay un nombre en el teatro que lo consigue, Lluïsa Cunillé. Y aunque los profesionales y algún teatrero consiga ponerle rostro al nombre es una gran desconocida para el gran público, ella y su teatro, a pesar de llevar ya más de 50 obras estrenadas.

Xavier Albertí ha decidido ponerle solución y dedicarle todo el epicentre de este año. Lo que va más allá de la puesta en escena de Islàndia. Esta temporada tenemos dos opciones: conocer a Lluïsa Cunillé sí o sí

Las principales actividades del epicentre son: 

  • Lectura dramatizada de su obra Boira el 24 de octubre a las 20h a cargo de nombres como Nao Albet, Mercè Arenga, Ricard Borràs, Montse Germán y Lluís Soler.

  • Convertir su obra Après moi, le déluge en opereta con la dirección de Jordi Prat i Coll.

  • Seminarios internacionales sobre la autora que han organizado diversas universidades como Queen Mary University of London (GB), University of Chicago (US), University of Richmond (US), University deli Studi di Milano (IT), Scuola d'Arte Dramatic Paolo Grassi (Milà, IT) y la Université Grenoble-Alpes (FR).




Uno de los centros del epicentre será Islàndia, que se estrenó ayer (5 de octubre) y que estará en cartel hasta el 5 de noviembre con un reparto espectacular de 10 actores: Jordi Oriol, Paula Blanco, Abel Rodríguez, Oriol Genís, Joan Anguera, Lurdes Barba, Albert Prat, Joan Carreras, Albert Pérez y Àurea Márquez. Todos ellos dirigidos por Xavier Albertí.

En sus 2 horas de duración, Islàndia explica la historia de un chico, Abel Rodríguez, que se marcha a buscar a su madre. De Reikiavik a Nueva York. En el camino deja atrás el estallido de la crisis islandesa para toparse con la macroeconomía de Wall Street, al mismo tiempo que se encuentra con numerosos personajes. En la obra nos encontraremos el chico de 15 años y su versión adulta, Jordi Oriol.

Xavier Albertí destaca la manera de escribir de Lluïsa Cunillé, llena de momentos apocalípticos, que después alguno ya se ha convertido en realidad, pero que en ningún caso significa el fin de algo sino su resurgimiento.

Las utopías son motores para que los ciudadanos sintamos la necesidad de cambiar la sociedad (Xavier Albertí)

Y es que la utopía también está muy presente a la obra, sobre todo el concepto del hombre puro como en las leyendas bíblicas. En este caso, el hombre adulto no será quien explique la historia sino su mismo yo de 15 años. 



Islàndia es una obra muy coral, el único que está siempre en escena es Abel Rodríguez, el resto va entrando y saliendo, lo que Albertí alaba ya que las escenas (7 en total) son de una gran complejidad para los actores. 

Cuesta mucho encontrar una obra de la que te enamores. Es lo que pasa con Islàndia. Cada personaje tiene muchas capas, pero el trabajo lo tiene que hacer más el espectador que el actor (Joan Carreras.)

Parece ser que el espectador también jugará su papel en el final. No porque vaya a decidir nada, en modo participativo pero cada espectador definirá si el futuro brilla o si es más oscuro, afirma Joan Carreras.

Lo que sí que está claro es que la dramaturgia de Lluïsa Cunillé no tiene nada de banal, no como en una primera lectura pensó Oriol Genís, que después entendió que de la frase más simple se podía extraer oro. A lo que Albertí puntualiza que en Islàndia se notan numerosas influencias y guiños como a Kafka, Lorca o Soros.

Escenográficamente se ha buscado que un mismo espacio pueda representar todas las escenas de la obra. Como dato peculiar, los bancos se parecen a los del metro de Nueva York y servirán para crear los diferentes ambientes: desde la Catedral de Saint Patrick a una perrera.

El TNC vuelve a poner de relieve que el teatro no es sólo para ser visto, sino también leído. Por ello, los espectadores podrán comprar el texto de la obra por 3€ mientras ésta esté en cartel.


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