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18/12/16

NEW YORK CITY. PART TWO

Hay experiencias que merecen un reglón a parte y la que os intentaré narrar es una de ellas. No he visto nada similar en mi vida. Nunca. 

SLEEP NO MORE. Site Specific. http://sleepnomorenyc.com Viernes 9 de diciembre de 2016

A pesar de mis recelos al ver el trailer no me podía ni imaginar lo que me esperaba. Si tenéis pensado visitar Nueva York es un imprescindible y dejar de leer, es mucho mejor ir a tientas.

He sido público de algunos Site Specific en mi vida, pero nada comparable a esto. Lo que ellos llaman hotel, que es más bien una discoteca en un edificio de cuatro plantas, al menos las que te dejan recorrer. Sin abrigo y sin bolso, y con el móvil apagado te dan una máscara, requisito llevarla puesta durante las tres horas que dura la experiencia. Las 500-1000 personas que calculo que entran por función se convierten en seres anónimos e iguales. 

A partir de ahí eres libre de moverte, subir bajar, seguir a un personaje. Tú decides cómo quieres vivir la experiencia. Escasa iluminación en un ambiente lúgubre, una música repetitiva y penetrante te va acompañando en cada habitación. Según la sinopsis una mezcla entre Macbeth de Shakespeare y Rebecca de Hitchock, pero que poco importa si conoces de qué puede ir la historia porque al vivirla tan fragmentada y desordenada puede ser eso o algo completamente diferente. 

No hay diálogo, prohibido hablar entre el público y los personajes sólo hacen uso del movimiento, a veces con acciones repetitivas, otras es la danza la protagonista de su escena. La puesta en escena es impresionante, sólo de pensarlo aún hoy se me pone la piel de gallina, de lo que presenciaron mis ojos, cada una de las habitaciones estaba decorada hasta el más mínimo detalle, tuviera o no tuviera personaje. Al contar con una iluminación "pitch dark" cada vez que entras en una habitación, a veces lo de menos es lo que tus ojos puedan ver, sino lo que sientes, tus pies tocan el suelo, pero ha dejado de ser cemento, para ser tierra, para ser ramas, para ser...

No soy capaz, ni aún hoy, de describir el cúmulo de sensaciones que tuve en las tres horas, en las que literalmente no paré de recorrer las estancias. No sé si el secreto es ir siguiendo personajes para servir de nexo entre las diferentes y desordenadas escenas, quizás si en vez de campar a mis anchas durante algún tiempo lo hubiera hecho así, no me hubiera perdido la escena más gore de la trama. Sí que reconozco que el calor, el cansancio se apoderaron de mi (también es cierto que llevaba todo el día pateando Nueva York) y ví alguna escena por partida doble, al final pierdes la conciencia si has visto y entrado en todas las habitaciones posibles de las cuatro plantas. Simplemente deambulas buscando un nuevo personaje a quién seguir (y a ser posible que venga con sofá incorporado, a última hora de la noche, el espectáculo comienza a las 23h y termina a la 1h).

La última escena es conjunta, todo el público se "vuelve a ver las caras". A la salida, previo trago necesario de tap water, resulta de lo más interesante intercambiar opiniones. Y aunque el título advierta de que quizás esa noche no consigas dormir, yo cerré los ojos, de vuelta en Brooklyn, con una sonrisa de oreja a oreja. No tengo palabras. Increíblemente impresionante. OMG!

NEW YORK CITY. PART ONE.


Tranquilos que no lo voy a escribir en inglés, confieso que no sé si sería capaz.

THE LION KING. Domingo 4 de diciembre de 2016.

La primera vez que vi un musical en Londres, hace 4 años, yo que no soy demasiado dada a los musicales, dije que me costaría ver un musical patrio. Después de ver El Rey León en Broadway lo confirmo. Es imposible ver algo así ni en Madrid ni en Barcelona, primero porque no tenemos teatros habilitados para tal ingeniería y segundo no podemos pagar 150€ por una entrada y abarrotar el teatro función detrás de función. Los actores quizás sea la parte más fácil de copiar. 

Musical familiar con una puesta en escena apabullante en todos los sentidos, desde la escenografía, que sale, entra, se esconde, hasta un vestuario que te deja boquiabierto. Pero quizás lo que más me llamó la atención es el uso, en el fondo y en la forma de los títeres. Cómo desde el minuto uno dejas de ver al humano que los mueve y empiezas a ver el animal. Impresionante.

Ni que decir tiene que la música, las canciones que ya conocemos firmadas por Elton John y unas voces espectaculares te dejan sin aliento. Ya sea el mítico Hakuna Matata, que obviamente te sabes en castellano, por la malección establecida en España de traducirlo todo, pero que en inglés combina mejor.

Sin entender nada de inglés, como le pasó algún miembro de mi família, sólo por ver lo que se llega a desplegar en el escenario, es dinero bien invertido. Tendrá que pasar mucho tiempo hasta que vea algo similar. 

THE WOLVES. Texto: Sarah Delappe's. Dirección: Lila Neugebauer. Intérpretes: Kate Arrington, Brenda Coates, Jenna Dioguardi, Samia Finnerty, Midori Francis, Lizzy Jutila, Sarah Mezzanotte, Tedra Millan, Lauren Patten y Susannah Perkins. Duración: 90min. Foto: The New York Times. The Duke on 42nd Street. (Lunes 5 de diciembre de 2016)

Hecho inaudito, obra escrita por una mujer, dirigida por una mujer, protagonizada por mujeres y que habla de lo que le pasa al género femenino. Y sí, había hombres en el público. No era una secta. Juventud, una obra de juventud, con caras muy jóvenes, actrices que en algunos casos no parecen haber llegado ni a la mayoría de edad. 

Un equipo de fútbol europeo, el soccer allá es muy de chicas, se reúne para entrenar y durante los entrenamientos vamos conociendo las personalidades de sus protagonistas, sus miedos, sus anhelos, sus deseos, lo que en algunos casos simplemente parece un cúmulo de hormonas y otras un desarrollo de pequeñas historias con una intensidad sin límites. 

The Wolves más que tener un argumento de presentación, desarrollo y desenlace es un ejercicio de estilo que desarrolla el lenguaje, una verborrea que no cesa, a veces varias conversaciones a la vez, en una sala de pequeñas dimensiones, poco más de cien espectadores por función, un Off Broadway, que ha convencido al público y a la crítica. 

The Wolves es una bomba preparada para estallar, un buen ejercicio, lleno de ritmo que mantiene al espectador expectante y que guarda una sorpresa final. La manera como la dramaturgia te va llevando a su terreno, poco a poco sin revelarte casi nada es excepcional. He visto pocas obras que sin explicarte casi nada te mantengan en vilo de esta manera. Eso sí, si no dominas el inglés, te perderás buena parte del hilo. La atención a la acción es casi tan importante que te olvidas que estás en una sala. Eres tu, ellas y el impulso natural de querer saber de qué están hablando. 


THE NUTCRACKER. 2017 Winter Season New York City Ballet. Lincoln Center. Martes, 6 de diciembre de 2016

Actividad familiar que se salta mi poca disposición a las puntas. Me gusta la danza contemporánea pero no el ballet, y aunque la experiencia fue más que satisfactoria, la danza clásica me sigue sin gustar. Sólo recuerdo haber visto El Cascanueces una vez, y he de decir que no recordaba toda la parte teatral, gracias a esta gran carga interpretativa, superé con éxito no quedarme dormida (dicho sea de paso los días como turista en Nueva York son agotadores).

Pero aunque no me hubiera gustado la representación, el mero hecho de entrar en uno de los teatros del Lincoln Center, David H. Koch (la profesión tira) ya valió la pena la experiencia. Impresionante auditorio, donde la tecnología moderna se atisba a primera vista, pero que en esta ocasión lo moderno no está reñido con la belleza. 

Impresionante también el conjunto de la New York City Ballet Orchestra acompañada del New York Ballet. El despliegue de medios a nivel de escenografía, vestuario, iluminación es absolutamente majestuoso, incomparable con nada que hayan visto mis ojos hasta el momento, y dudo mucho que vuelvan a ver algo similar. Quizás no sea mucho de puntas, pero hay experiencias que vale más vivirlas.

LA FORTUNA DE SÍLVIA



TEXTO: JOSEP MARIA DE SAGARRA
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: JORDI PRAT i COLL
INTÉRPRETES: LAURA CONEJERO, ANNA ALARCÓN, MUNTSA ALCAÑIZ, ALBERT BARÓ, BERTA GIRAUT y PEP MUNNÉ
DURACIÓN: 1h 35min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y TEATRES EN XARXA
SALA PETITA (TNC)

No puedo negar que era el montaje que más ganas tenía que se estrenase antes de marchar a Nueva York, pero los malos augurios se cumplieron, y aunque no quise oírlos, una vez sentada en la butaca del TNC vinieron a buscarme en masa. Durante el verano leí un par de veces la obra original, que por una vez dista bastante de la representada. El menos Sagarra de sus Sagarra, según dicen, un gusto de lectura.

La ansiada vuelta de la Laura Conejero al TNC, cabeza de cartel, un personaje que parece hecho a su medida, pero que la dirección entorpece que salga de la sala queriendo volver a entrar. Jordi Prat i Coll ha decidido eliminar toda la carga cómica del personaje de Emilia (Muntsa Alcañiz), su magnífica intervención en el primer acto, donde la socarronería se alterna con las formas y el saber estar ha desaparecido, sólo se atisba en la intervención final. Las buenas maneras y la pulcritud ha ganado peso y lo que hubiera sido una conversación natural se convierte en una impostura difícil de sostener.

Precisamente es la falta de naturalidad la que mejor describe todo el montaje, desde la primera interpretación del jovencísimo Albert Baró que parece salido de la escuela madrileña de finales de los sesenta, un excesivo Pep Munné, que el montaje ha recuperado para el teatro catalán y que no baja del histrionismo en ningún momento. Quizás rescatar la escena entre madre e hija, Sílvia i Diana, Laura Conejero y Anna Alarcón, que ocupa buena parte del segundo acto, pero incluso allá, se echa de menos la media sonrisa con la que leía las réplicas este verano. 

La limpieza ha hecho demasiado daño y el ritmo se resiente. Ni las proyecciones de Alfonso Ferro que sirven para contextualizar la obra, ni el homenaje a Mondrain donde se representan consiguen remontar la obra. Brillante, magnífico y mucho me temo que La Fortuna de Sílvia será recordada por su vestuario, Míriam Compte, ha hecho que esperemos con deleite cada cambio de vestuario de las actrices. Bibiana Puigdefàbregas firma una escenografía que deja ciego al público, dependiendo de donde hayas escogido sentarte podrás ver más o menos la función, yo estuve más de media hora observando la espalda de sus protagonistas. Por desgracia la pasarela central no es nada afortunada.

El público ha ido de cara a buscar fortuna y el resultado es que tenga todas las entradas agotadas casi antes de estrenarse, yo prefiero seguir leyendo. A ver qué pasa.

UN OBÚS AL COR



TEXTO: WAJDI MOUAWAD
TRADUCCIÓN: RAMON VILA
DIRECCIÓN: ORIOL BROGGI y FERRAN UTZET
INTÉRPRETE: ERNEST VILLEGAS
DURACIÓN: 80min
FOTO: DAVID RUANO / LARA ALONSO
PRODUCCIÓN: LA PERLA 29
BIBLIOTECA DE CATALUNYA

Volvemos a buscar la gallina de los huevos de oro, Wajdi Mouawad, autor de Incendis, que nos da tanto como nos quita. Hace un tiempo que me repito, al salir de ver sus obras, que no volveré a entrar en una función que lleve su nombre, pero sigo incumpliendo la promesa. Atraída por no sé bien qué, vuelvo a sumergirme en su poesía, esta vez poco condensada. Y no sé si la atmósfera cálida de la Biblioteca o que el discurso ya me suena que no consigo empatizar con lo que se me cuenta.

Volvemos a los temas recurrentes del autor: la muerte, su madre, el dolor, la guerra, una extremada misoginia contra las muejeres... esta vez en formato monólogo, un género extremadamente complicado de dirigir y de interpretar. A Ernest Villegas le falta intensidad, garra, no sé si es culpa de la interpretación o de la dirección pero echo a faltar una serie de recursos que me permitan ver el recorrido del personaje, que por el texto me lo puedo imaginar, pero que hubiese sido conveniente mostrar en escena.

Como ya he afirmado en varias ocasiones, la Biblioteca de Catalunya es un lugar mágico, que no necesita más que de ciertos toques en la iluminación de sus espectáculos para hacerlos espectaculares. En este caso la iluminación firmada por Quim Blancafort, salvo en algun caso, no consigue aproximar la magia, y a veces las sombras entorpecen más que ayudan. 

Un obús al cor no ha conseguido que me remueva en la butaca, más allá de la incomodidad habitual de las sillas de la Biblioteca. Pero, he visto nevar y quizás por ese simple hecho recuerde el montaje. ¿Seré capaz de cumplir la promesa con el próximo Mouawad? 

19/11/16

CONSTELLATIONS



TEXTO: NICK PAYNE
DIRECTOR: SOPHIE HEYDEL
INTÉRPRETES: REBECCA RONAYNE y JOSHUA ZAMRYCKI
DURACIÓN: 75min
ALMERIA TEATRE

He de reconocer que no soy muy dada a ver teatro semi-professional, pero la propuesta estaba relacionada con mi clase de inglés de la Escuela de Idiomas, así que más que un ejercicio teatral era uno lingüístico. Un viaje a la Gran Bretaña estricta. He visto Constellations en un par de ocasiones, la primera en castellano, en Madrid, un año más tarde en Barcelona, en catalán. Ambos montajes profesionales más que decentes.

Constellations es un texto que mezcla tiempos escénicos, una especie de universos paralelos, sin un esquema de tiempo cronológico que se entremezclan en multitud de micro escenas donde es el espectador el que tiene que ir desentrallando, para aclarar la maraña de sentimientos y acciones que en ella se describen. 

La compañía Jocular Theatre ha decidido dejar la escena desnuda y que el cambio de universo se produzca simplemente por una atenuación de las luces y un giro de sus personajes. En un primer momento parece ser una buena solución pero el conjunto de micro escenas es tan grande que se acaba haciendo pesado. Además tampoco ayuda que el texto base su contenido en una repetición de frases que con una entonación diferente sirve para situarnos en un universo u otro. En otros montajes se había opta do por una transició musical, que acompañada de una escenografía, ayuda a a los intérpretes a cambiar de "localización".

El ejercicio lingüístico por el que ha optado la compañía es no tocar ni una coma del texto original, lo cual no ayuda ni al ritmo del montaje ni a la naturalidad. La estricta lingüística británica juega muy a la contra. Por poner un ejemplo, durante una discursión de los protagonistas, ella le dice:"I beg your pardon". En una discusión de pareja, queda "too polite" escuchar una expresión como ésta. Por otra parte, el texto está masticado hasta la saciedad. Reconozco que toda la platea y el anfiteatro eran alumnos de inglés, pero un poco de naturalidad no hubiera estado de más. Cuando estás acostumbrados a ver teatro en inglés, ya sea británico o de otra parte de Europa, suena demasiado imposado que te mastiquen las palabras para que lo entiendas todo, todo. No hace falta, Payne, por desgracia no es Shakespeare.

Interpretativamente, y partiendo de la base de que el montaje es semi professional hay un importante diferencia entre la interpretación de Rebecca Ronayne que construye una más que notable Marianne, en la que se diferencia con más claridad los universos, que en el caso de Josgua Zamrycki que convierte los de Roland en interpretaciones planas y con escasos momentos de contraposición.

Aparecen algunos momentos divertidos entre tanta repetición, de un montaje al que le falta una recomposición de lugar y tiempo. Pulir las aristas para que sin salirse de la desnudez que desprende el escenario, el espectador don't call it a day antes de tiempo.

PLUJA



DRAMATURGIA: MARC ANGELET
DIRECCIÓN: GUILLEM ALBÀ
INTÉRPRETES: GUILLEM ALBÀ y CLARA PEYA
DIRECCIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
DIRECCIÓ DE GEST I TITELLES: ANDREU MARTÍNEZ
COREOGRAFÍA: ARIADNA PEYA
DURACIÓN: 40min
FOTOGRAFÍA: DIARI DE VILANOVA
ATRIUM DE VILADECANS (EN GIRA)

Pluja es el espectáculo de noviembre. Y me explico después de entrevistar a sus creadores y protagonistas antes de Fira Mediterrania, las ganas de ver la bomba que tenían entre manos ha ido in crescendo. Al fin, y una vez más gracias a Recomana, he tenido la oportunidad de que la bomba me explote y ha ido directa al corazón.
Cuarenta minutos, de tener los ojos como platos. Cuarenta de minutos de retorno a la infancia, aquella época donde todo lo que vislumbraban nuestros ojos era nuevo y nos parecía maravilloso. Una historia llena de miedos, los miedos a hacerse mayor, y de como los mayores muchas veces también nos sentimos pequeños.
Al igual que los ojos para no perderse nada de lo que está pasando en el minúscula escenario, la piel de cada espectador es parte importante para que la magia que se desprende del espectáculo consigna su efecto. Emociones a flor de piel, incluso para los más duros de tocar. Sentimientos compartidos en una platea donde los setenta afortunados espectadores no pueden contener, en algunos casos, las lágrimas delante del preciosista montaje.
Guillem Albà se atreve a seguir la estela familiar y hacer interpretar sus manos con títeres en una de las escenas con más fuerza escénica de todo el montaje. La timidez de Clara Peya queda difuminada en los momentos donde hace uso del sentido del humor, dejando de lado su inseparable piano (que una vez más nos regala melodías maravillosas), se "sale del guión" y supera con nota a sus miedos.
Si el teatro es un acto de comunión colectivo, Pluja es un ejemplo de como convertir esta máxima en un espectáculo casi "privado" pero donde los espectadores más que nunca comparten, por un breve período de tiempo, algo más que cuatro paredes. Una respiración común, un sentimiento común, una experiencia, que después de casi una semana sigue latiendo dentro del cuerpo. Después del parón navideño, la magia de Pluja continuará viajando por Catalunya. No te la pierdas. Hay cosas que es mejor vivirlas, porque cuando te las cuentan pierden su esencia. 

LA TREVA



TEXTO: DONALD MARGULIES
TRADUCCIÓN: CRISTINA GENEBAT
DIRECCIÓN: JULIO MANRIQUE
INTÉRPRETES: CLARA SEGURA, DAVID SELVAS, RAMON MADAULA y MIMA RIERA
DURACIÓN: 1h 45min
FOTO: GUILLERMO A. CHAIA
PRODUCCIÓN: LA BRUTAL, LA VILLARROEL y BITÒ
LA VILLARROEL

Hay pocas historias donde sean las mujeres las que muevan los hilos. Un personaje que parece hecho por y para el lucimiento, una vez más de Clara Segura. La Segura que entra renqueante en escena, pero que al mismo ritmo que su personaje consigue sobreponerse de los varapalos que le otorga un texto irregular y se vuelve a meter al público en el bolsillo. 

La otra delícia de personaje lo interpreta Mima Riera, que como nos quiere la cosa, dibuja una delicada, tierna y cómica Mandy Bloom. Con un punto de naïf que condimenta cada una de sus intervenciones, poco a poco su inocencia se hace estimar y deseas que vuelva a aparecer por la puerta. En La Treva los personajes masculinos son secundarios, están, son presentes, pero al compararlos con los femeninos llevan todas las de perder. 

Cesc Calafell ha construido una escenografia a dos bandas, un precioso loft donde vuelve una derrotada fotoperiodista de guerra después de ser abatida. Un impás, una tregua, en su carrera que le lleva a preguntarse porqué hace lo que hace. No hay respuesta, quien vive con las ganas de aventuras en la sangre poco le puede decir volver a su "aburrida" vida de Brooklyn. 

La Sarah dispara preguntas contra el público, algunas, no sin cierta controversia que desde el principio de los tiempos del fotoperiodismo se repiten, ¿hacer una foto les ayuda a salvarse? ¿Dejar la cámara o continuar disparando? Cuestiones con una cierta pátina ética que contrasta con la distendida comedia que nos había atrapado hasta entonces. Un cierta manera de intentar hacer profunda una historia, que quizás se tenía que haber quedado simplemente en la decidión de abandonar una pasión para hacer lo que la sociedad espera de ti cuando alcanzas cierta edad.

La Treva es una comedia que se digiere muy bien. A veces tan naïf como la Mandy, a veces que busca volar más alto que sus globos, pero se queda a medio camino, porque eso no era su verdadero fin y no le llegan los medios. Teatro comercial para pasar la tarde resguardada del frío o de la lluvia. A la salida, compruebas que la vida sigue su curso.

6/11/16

REVOLTA DE BRUIXES



TEXTO: JOSEP MARIA BENET i JORNET
DIRECCIÓN: JUAN CARLOS MARTEL BAYOD
CIA LA KOMPANYIA LLIURE
INTÉRPRETES: CHANTAL AIMÉE, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, ÀUREA MÀRQUEZ, XICU MASÓ, ANDREA ROS, JÚLIA TRUYOL
DURACIÓN: 1h 15min
FOTOGRAFIA: ROS RIBAS
PRODUCCIÓN: TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (ESPAI LLIURE)

Esta temporada será del 'Papitu' Benet i Jornet o no será. Si el Almeria Teatre abrió fuego con L'habitació del nen, ahora es el Teatre Lliure quien recupera Revolta de Bruixes con una disfuncional puesta es escena. La historia de estas seis mujeres de la limpieza y su vigilante en una noche donde decidien rebelarse contra sus condiciones laborales, la media hora de más que trabajan para dejar la oficina que limpian lista y que no les es remunerada.

Una puesta en escena que ha querido imitar a los años 70, no sólo el mobiliario de oficina, las pelucas que gastan sus protagonistas son fiel reflejo de la época. La imperiosa necesidad de explicar la historia saliendo de los límites establecidos y convirtiendo la pieza en una especie de experimento que no sabemos muy bien a dónde nos lleva.

Juan Carlos Martel ha opta do por enfatizar, quizás en exceso, el punto cómico. La mezcla de acentos y lenguas, castellano-catalán, dan un aire de definir el status social al que cada una de las protagonistas pertenecen. Este gusto por la comicidad alcanza su culmen con las escenas del ascensor y el momento micrófono, ambas excesivamente largas y que pecan de una excesiva sobreactuación.

Los mejores momentos dramáticos los protagoniza, Sofia, una deliciosa Àurea Márquez, que tira de tablas para combatir un personaje que, de primeras, puede parecer un cuchillo mal afilado. En la parte cómica destaca la interpretación de Andrea Ros, que parece haber nacido para interpretar a Filomena, esta "inocente" immigrante al que su marido le está enseñando a hablar catalán. 

Revolta de bruixes es una de las obras menores de Benet i Jornet, se nota en la dramaturgia, muy alejada de otras obras donde el costumbrismo todo lo atrapa y donde los personajes están mucho mejor dibujados que aquí. Próxima estación: la Sala Beckett.

IN MEMORIAM (La quinta del biberó)



TEXTO y DIRECCIÓN: LLUÍS PASQUAL
CIA: LA KOMPANYIA LLIURE
INTÉRPRETES: JOAN AMARGÓS, ENRIC AUQUER, QUIM ÀVILA, EDUARDO LLOVERAS, LLUÍS MARQUÈS y JOAN SOLÉ
MÚSICOS: ORIOL ALGUERÓ, RICARD RENART, ORIOL AYMAT, JOAN PALET, DANI ESPASA, MARC DÍAZ, ROBERTO GONZÁLEZ (voz)
DURACIÓN: 1h 25min
FOTOGRAFIA: ROS RIBAS
COPRODUCCIÓN: TEATRE LLIURE y TEMPORADA ALTA
TEATRE LLIURE (SALA FABIÀ PUIGSERVER)

Lleno hasta la bandera, sold out, la recuperación de la memoria bajo la batuta de Lluís Pasqual ha tocado en los más profundo al público catalán. La primera producción de la nueva Kompanyia (ellos) es de traca i mocador. Lluís Pasqual ha recostruido pequeños instantes de lo que tuvieron que sufrir estos jóvenes que por uno u otro motivo se vieron abocadors a formar parte de un conflicto que en la mayoría de los casos ni les iba ni les venía.

Teatro documental con una sobrecarga de dramaturgia narrativa, un estatismo que hacia el final de la pieza se hace cada vez más evidente, ya lo tiene la guerra de trincheras, que más allá de explicarse batallitas, poco más se puede hacer. La dramaturgia de Lluís Pasqual es efectivista y busca al espectador más sensible, ese que tendrá que sacar el pañuelo en más de una ocasión. Su punto álgido será cuando toda la platea de pie guarde un minuto de silencio por los que dejaron la vida por sus ideales.

De la actual joven Kompanyia destaca la interpretación de Quim Ávila, con más tabals que el resto de sus compañeros, apunta maneras de convertirse en una de las caras más visibles de la nueva hornada. Enric Auquer, que se quedó a las puertas de entrar, y que Lluís Pasqual ha repescado para este espectáculo, sería otra de las caras a tener en cuenta por si falta algún papel masculino en las próximas producciones.

La escenografía, firmada por el mismo Pasqual, vuelve a incidir en la efectividad del montaje. Al igual que la iluminación de Pascual Merat y el vídeo de Franc Aleu. "Sorprende" que en un reparto absolutamente masculino, se haya decidido que todos los músicos sean también hombres. Fuera de la anécdota, la música es uno de los grandes aciertos del montaje. ¡Larga vida a la memoria!

SOTA TERÀPIA




AUTOR: MATÍAS DEL FEDERICO
VERSIÓN: ADRIANA ROFFI/ DANIEL VERONESE/ DAVID SERRANO
TRADUCCIÓN AL CATALÁN: EDU PERICAS
DIRECCIÓN: DANIEL VERONESE
INTÉRPRETES: FRANCESC FERRER, MARINA GATELL, CRISTINA PLAZAS, MIQUEL SITJAR, ANDRES HERRERA y MERITXELL HUERTAS
DURACIÓN: 90min
FOTOGRAFIA: DANIEL ESCALÉ/ JOSEP AZNAR
PRODUCCIÓN: ANEXA
TEATRE BORRÀS

La tan manida excusa de la dificuldad de escribir una comedia se une a que una vez escrita hay que dirigirla e interpretarla. Sota Teràpia, por primera vez en años, consigue aunar a la perfección los tres requisitos. Si, de entrada, Daniel Veronese ya podía ser síntoma de que el producto resultante iba a ser satisfactorio (a pesar de que no siempre se cumple), el resultado ha superado las expectativas, incluso para una incrédula de las comedias "comerciales", como una servidora lo es.

La mano de Veronese está presente desde el principio, sus señas más características, desde no respectar los turnos de palabra, los personajes se pisan constantemente o su gusto porque los actores den la espalda al público, pero también se nota en el ritmo vertiginoso con el que transcurre la acción. El dia del estreno, tanta velocidad impedía al público reír entre réplica y réplica ya que parecía que no hubieran dejado espacio para las risotadas de los espectadores. Con el tiempo, detalles tan insignificantes como éste se irán puliendo.

A nivel interpretativo destaca un Meritxell Huertas (Carme) que como su personaje modosito se va metiendo al público en el bolsillo, con las pocas réplicas de las que dispone en un principio. Es allí, en los inicios donde Laura, Cristina Plazas, cobra más protagonismo. Una Plazas de la que llevábamos tiempo pidiendo un cambio de registro, después de tanto drama televisivo y en el que el traje le queda como anillo al dedo. De esos papeles que parecen llevar nombre y apellidos desde que fueron escritas.

La escenografía minimalista de Elisa Sanz que representa la consulta de una psicólogo y la iluminación de Ion Aníbal López que hace que el espectador, juntamente con una dramaturgia trepidante, no pueda separar la vista del escenario por temor a perderse algún dato de suma importancia para el desenlace final. Aunque no estemos ni a la mitad de temporada, Sota Teràpia tiene visos de convertirse en una de las comedias de la temporada. Tiempo al tiempo. Y plateas llenas, por favor!

15/10/16

EL CORATGE DE MATAR



TEXTO: LARS NORÉN
TRADUCIÓN: JOAN CASAS y CAROLINA MORENO
DIRECCIÓN: MAGDA PUYO
INTÉRPRETES: NAO ALBET, MANEL BARCELÓ y MARIA RODRÍGUEZ
DURACIÓN: 1h 40min
FOTOGRAFIA: MAY ZIRCUS
PRODUCCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y VELVET EVENTS
SALA PETITA (TNC)

Hay novelas que dejas a la mitad porque parecen pescadillas que se muerden la cola de la cantidad de veces que repiten la misma historia. Algo parecido le pasa a El coratge de matar, el 80% de la obra es un giro sobre el mismo eje que no nos lleva a ninguna parte, más allá del inicio de un más que notable aburrimiento. Y siento la expresión, no hay nada peor que aburrirse en una platea, al menos para mí. 

Al dramaturgo sueco Lars Norén le descubrí hace unas temporadas en el Versus Teatre, donde una jovencísima compañía representaba Kyla, un texto sobre la immigración, la juventud y la violencia que ponía los pelos de punta. Angustía, sensación de ahogo es lo que buscava en esta nueva obra del autor sueco, pero nada parecido es lo que encontré. 

El coratge de matar habla de las relaciones familiares, más concretamente las de un padre y su hijo. El padre, un sensacional Manel Barceló, que se ha quedado víudo, al que la pensión no le llega para vivir y que se intenta refugiar en un inexistente cariño por su hijo. A medio camino entre el victimismo llevado al extremo y una desesperació real, intenta en vano recuperar la relación con un hijo que no quiere saber nada de él. El hijo, Nao Albet correcto pero que no llega a estar a la altura del más que brillante Barceló, repite hasta la saciedad que los esfuerzos de su padre siempre serán en vano, no tiene ninguna intención ni necesidad de recuperar la unión paternofilial. Y aunque el combate de los dos es uno de los mejores y logrados momentos del montaje, después de más de una hora de repeticiones de los mismos argumentos, necesitamos algo más para no caer en un más que probable sopor.

La aparición de Radka, Maria Rodríguez, la abnegada pareja del hijo parece por unos minutos conseguir un break en la repetición dramatúrgica. Pero Lars Norén ha dibujado un personaje excesivamente plano, al que le falta voluntad para ser algo más que una simple estatua móvil, como las si las que pueblan la escenografía fueran pocas. Ni siquiera las escenas a solas entre el padre y Radka levantan un montaje que ya está herido de muerte.

Lo mejor sin duda, es la escenografía de Pep Duran, un enorme estudio de artista donde vive el hijo, lleno de estatuas, cuadros... Y la iluminación de Maria Domènech (aii) que le hace brillar. Pese a todo, a lo que no me ha acabado de convencer, es de agradecer que en el teatro público por excelencia dé voz y lugar a los nuevos dramaturgos internacionales. Esperemos que Lorén sea la primera piedra que haga perder el miedo a representar obras de la dramaturgia contemporánea norte-europea. Adelante.

LES DONES SÀVIES



UN ESPECTÁCULO DE RICARD FERRÉ y ENRIC CAMBRAY
DRAMATURGIA: LLUÍS HANSEN
ASESORIA ESCÉNICA: CLARA SEGURA/ JÚLIA BARCELÓ
AYUDANTE DE DIRECCIÓN: JÚLIA BONJOCH
DURACIÓN: 70min
FOTOGRAFÍA: MAY ZIRCUS
EL MALDÀ

Se veía venir, estaba cantado que este espectáculo sería un éxito, lo gritaba a los cuatro vientos el cartel promocional y así ha sido. Entradas a punto de agotarse y aplausos y vítores para dar y tomar. Y es que Enric Cambray y Ricard Farré sacan oro líquido de cualquier texto y han construido unas "dones sàvies" a su imagen y semejanza. Personajes que huyen del estereotipo y se nos vuelven cercanos al mismo tiempo que cómicamente tan perversos que es imposible que no salte la risotada a la mínima.

Entretener enseñando, que más allá del clásico, recortado, se puede construir una magnífica versión libre que convence hasta al más rígido purista. No hay versos, thank god!, pero el uso y el juego de un más que correcto catalán suple la falta de coordinación lingüísticamente hablando. Y es el mismo lenguaje es el que nos regala sin duda los mejores momentos del montaje, ese Pompeu i Fabre, esas tertulias comandadas por el tan reconocible señor Cunill, ríete tú del debate de los diacrítics. Nunca la gramática estuvo tan en boca de todos.

Tanto Cambray como Farré dominan a la perfección el arte de hacernos reír sin parar. Una dramaturgia que sumada a un ritmo vertiginoso de cambios impossibles de personajes, provocan que aunque el continúo salto de escena en escena, no te puedes desenganchar de la risa, perenne en las bocas de los espectadores, que vitorean sin parar los excesos que se muestran en el escenario.

Escenografía donde, en un principio, se esconde más de lo que se muestra, pero que una vez que se despliega del todo, la bomba teatral ya ha explotado y el público se aúna con el espectáculo y se producen los momentos más hilarantes de los sesenta minutos de duración, escasos porque nos hubiéramos quedado horas. Tanto el espacio escénico de Enric Romaní, como el vestuario de Marc Udina sirven para "un roto y un descosío".

Si Pompeu levantara la cabeza estaría maravillado y se uniría a la fiesta. Nunca Les dones sàvies enseñaron tanto en tan poco. Sin duda, ya es uno de los espectáculos de temporada. Para quitarse el sombrero. Quina delícia! Bravo. 

KILÒMETRES



IDEA ORIGINAL: MERITXELL YANES y MARILIA SAMPER
DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: MARILIA SAMPER
INTÉRPRETES: MERITXELL YANES
DURACIÓN: 70min
FOTOGRAFÍA: MARCEL ASSO y BERNAT CASERO
PRODUCCIÓN: MERIYANES PRODUCCIONS
SALA BECKETT

Con el corazón en un puño y los pelos de punta es el resultado de cuando un espectáculo te toca más allá de la piel, se te mete dentro y ahí sigue porque no, después de una semana, aún no ha salido. Recuerdos de dos familias que seguro que a más de uno le puede traer a la memoria la suya, que con distinto nombre pudo pasar o está pasando por lo mismo. Universalidad compartida en un montaje donde la intimidad se ve, se toca, se siente.

Ficción desde la realidad de la propia familia de Meritxell Yanes, la de nacimiento y la política. Los últimos recuerdos de su abuela han inspirado un montaje precioso. Sí, hay más obras que se inspiran en recuerdos familiares, con la Guerra Civil entremedio, ¿y qué le hace especial? Quizás al ser contada en primera persona, la historia resulta más cercana, la empatía es total, es como si dejaras de estar en una sala de teatro y el espacio-tiempo cambiará por completo, la immersión de la historia es tan enorme que es la Historia lo que importa, esta Historia.

En una historia tan personal resulta difícil valorar la interpretación de Meritxell Yanes, ya que lejos de interpretar un personaje, no hay caretas, sino una "invasión" del espectador en la intimidad de la actriz. Todo el montaje se basa en una potente dramaturgia que reconstruye los recuerdos y los dota de un ritmo y del tempo adecuado para que en la infinidad de personajes no resulte una avalancha para nuestros oídos. 

Reglón aparte necesita la puesta en escena, de Judith Torres, con un espacio escénico que a simple vista puede parecer excesivamente minimalista pero que poco a poco va desplegando una fuerza, que sumado al relato te atrapa, y sin duda le confiere una fuerza y una magia escénica que pone los pelos de punta, incluso al ser humano más insensible. 

Dos últimas funciones este fin de semana en la sala pequeña de la nueva Sala Beckett. Pero el viaje de sentimientos no puede acabar aquí, todavía les quedan muchos Kilòmetres que caminar y vivir. Gràcies.  

25/9/16

AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO

Per Elisa Díez

Necesito comenzar diciendo que apesar de las múltiples recomendaciones, no fue hasta ayer cuando descubrí porqué todo el mundo alababa el trabajo de la Agrupación Señor Serrano. Tres obras seguidas en una tarde han sido más que suficientes (aunque a mi ya me tenían ganada desde la primera) para convertirme en "fan". Me queda Birdie que agotó entradas en su paso por el Grec 2016 y que ahora pasará por el Temporada Alta. Nunca es tarde para descubrir nueva dramaturgias que hacen que siga amando el teatro en cualquier a de sus formas. 

Gràcies al Lliure per oferir-nos l'oportunitat de gaudir de les tres peces en un cap de setmana únic.



KATASTROPHE

ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS, DIEGO ANIDO y MARTÍ SÁNCHEZ-FIBLA
PERFORMERS: DIEGO ANIDO, PAU PALACIOS, ÀLEX SERRANO y JORDI SOLER
APLICACIÓN INTERACTIVA DE VIDEO: MARTÍ SÁNCHEZ-FIBLA
VÍDEOS: JOSEP MARIA MARIMON
MÁSCARAS: SÍLVIA DELAGNEAU
MÚSICA: ROGER COSTA VENDRELL
DURACIÓN: 1h
FOTO: ZHANG LEHUA
PRODUCCIÓN: AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO y FESTIVAL HYBRIDES DE MONTPELLIER
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Nunca he sufrido tanto por un osito de gominola. Toda la maldad humana concentrada en una comunidad de gominolas. Desde tragedias naturales, como terremotos, mareas negras, pasando por las propias tragedias perpetradas por la mentre humana, guerras i exterminios, todas las consecuencias que tiene ir poco a poco contaminando el planeta con vertidos de uno u otro calado.

Con una estructura narrativa a modo de fábula, Katastrophe, introduce poco a poco al espectador en el horror. Al principio todo es tan dulce como lo son los mismos ositos de gominola, pero en la realidad el día a día convierten la simple existencia en más que una cuestión de supervivencia. 

Con algunos problemas técnicos en los primeros minutos, ya lo tiene eso de que el montaje base su efectividad en ella, una vez superados es la misma tecnología la que nos invade y nos sumerge en el horror con una imágenes, y sobre todo a golpe de una banda sonora, espeluznantes, que consiguen golpearnos corazón, alma y conciencia.

El discurso narrativo y crítico se entremezclan. Quizás de las tres piezas es donde más se difumine la crítica, donde los hechos se exponen de una manera lo sufientemente cruda que no necesiten un paso más. 



A HOUSE IN ASIA

CREACIÓN: ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS y FERRAN DORDAL
PERFORMERS: ALBERTO BARBERÁ, PAU PALACIOS y ÀLEX SERRANO
VOCES EN OFF: JAMES PHILIPS y JOE LEWIS
VIDEOCREACIÓN: JORDI SOLER
SONIDO y BANDA SONORA: ROGER COSTA VENDRELL
MAQUETAS: NÚRIA MANZANO
DURACIÓN: 1h
FOTO: NACHO GÓMEZ
COPRODUCCIÓN: AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO, GREC FESTIVAL DE BARCELONA, HEXAGONE SCÈNE NATIONALE ARTS ET SCIENCES- MEYLAN, FETSIVAL TNT- TERRASSA NOVE STENDÈNCIES, MONTY KULTUURFAKTORI y LA FABRIQUE DU THÉÂTRE - PROVINCE DE HAINAUT
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

El orden de la tarde me llevó de la más antigua de las piezas a la más nueva así de golpe, con descanso largo entre medias, eso sí, para digerir el segundo golpe. La evolución entre una y otra es más que evidente, desde el discurso, mucho más trabajado, la crítica se deja ver, no está tan limada como en la pieza anterior y la combinación entre tecnología y discurso es más explosiva.

Un western escénico post-11S donde la gran ofensiva, la mayor de la historia según nos la venden, para cazar a Osama Bin Laden, en este caso Geronimo, es el centro de la pieza. Si Katastrophe la podríamos enmarcar más en una violència prèvia a la caída de las Torres Gemelas, aquí la videocreación y la banda sonora se especinan en mostrarnos cómo ha cambiado el mundo y se ha establecido un nuevo orden. Una copia más "abusiva" en la que los límites cada vez están más borrados que en el "régimen" anterior. 

Magníficas las metáforas como la de sheriff obsesionado con la casa de la gran ballena blanca (Moby Dick) o la comparativa entre el trato de la organización terrorista Al Qaeda con el de los apaches por parte del  supremo americano blanco.

Nunca pensé que "Back for Good", la mítica canción del grupo británico Take That se pudiera bailar a ritmo de country, pero aquí todo es posible. Al igual que la vuelta de tuerca para llegar a relacionar al grupo con la historia. 

En definitiva, A house in Asia, nos viene a verificar que la historia es cíclica y que con uno u otro nombre los hechos nos paran de repetirse. Los protagonistas quizás tengan diferentes nombres pero todos comparten un mismo denominador común. Ya lo decía George Bush Jr "o estás con nosotros o estás contra nosotros".



BRICKMAN BRANDO BUBBLE BOOM

CREACIÓN: ÀLEX SERRANO, PAU PALACIOS, DIEGO ANIDO y JORDI SOLER
PERFORMERS: DIEGO ANIDO, PAU PALACIOS, ÀLEX SERRANO y JORDI SOLER
DESARROLLO TECNOLÓGICO: MARTÍ SÁNCHEZ-FIBLA
MOVIMIENTO: DIEGO ANIDO
VIDEOCREACIÓN: JORDI SOLER
ASESOR DRAMATÚRGICO: FERRAN DORDAL
MAQUETAS: NÚRIA MANZANO
SONIDO y BANDA SONORA: ROGER COSTA VENDRELL y DIEGO ANIDO
DURACIÓN: 1h
PRODUCCIÓN: AGRUPACIÓN DOCTOR SERRANO y FESTIVAL TNT - TERRASSA NOVES TENDÈNCIES
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Cerrando la maratón "Serrano" nos adentramos quizás en la pieza más dramatúrgica, más teatral, con un discurso más estructurado siguiendo los cánones del teatro tradiccional, quizás después de ver las tres piezas seguidas choque un poco con las propuestas anteriores. 

Sin dejar de banda la tecnología, Brickman Brando Bubble Boom apuesta por la dimensión humana. Un narrador llevará la voz cantante de la pieza. Las piezas de videocreación se basan fundamental entre en vídeo montajes sobre casi una decena de películas.

Nos trasladamos a la Inglaterra victoriana donde John Brickman construyó su imperio,  Brickman Brando Bubble Boom es un biopic sobre su persona, la del constructor más importante de la Inglaterra del siglo XIX. El hombre que inspiró el primer sistema hipotecario de la historia. 

El discurso a partir de la presentación de Brickman se translada a la España de 2010 cuando más de 150.000 familias son desahuciadas por los bancos. Bajo el lema de "There is no place like home" la crítica se construye sobre el derecho a tener una casa o un techo sobre el que cobijarnos, los derechos constitucionales. El "España va bien" derivan hacia un concepto más "intrínseco" y que más que un derecho es una necesidad humana: una cosa es el derecho a tener casa, pero no todas las casas son hogares, el hogar va más allá de las cuatro paredes y el techo donde nos cobijamos. 

Lejos de acabar con una sentencia que lo aglutine todo, nos dejan en ascuas provocando un estallido que hace añicos todas las disposiciones que hubieramos creado durante la pieza en nuestras cabezas. Un ruptura necesaria con todo lo expuesto para construir algo nuevo, porque lo que tenemos y habíamos construido (o nos habían construido) no nos sirve para nada. 



Brillante fin de "fiesta" que nos deja con la reflexión en los labios y con un golpe de puño en el estómago. Mientras tanto los ojos permanecen abiertos ante tanta belleza e impacto. Nuevas dramaturgias para viejos problemas ampliamente conocidos. Sólo me queda seguirles la pista, allá donde vayan después del Lliure. La temporada del teatro de Montjuïc no había podido comenzar de mejor manera. ¡Bravo!

18/9/16

BARCELONA (CONTRA LA PARED)




AUTORIA y DIRECCIÓN: LALI ÁLVAREZ GARRIGA
INTÉRPRETES: CLARA GARCÉS, DAVID TEIXIDÓ y SONIA ESPINOSA
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: CIA. LAPÙBLICA
LLUÏSOS DE GRÀCIA

Después de no poder verla ni al Grec ni a FiraTàrrega, por fin hemos cruzado caminos, tanto con la obra como con los Lluïsos de Gràcia. El teatro siempre es necesario, pero en este caso si cabe aún más. Una bofetada para todos aquellos que vivimos en Barcelona, una Barcelona que apenas vemos, y aunque quizás no tengamos la visión de postal idílica que tienen la ingente cantidad de turistes que nos visitan año tras año, tampoco vemos aquello que muchos trabajan para ocultar.

Nos han invitado a una fiesta, donde tres personajes, con tres personajes nos sacaran la máscara de la cara y nos mostraran esa Barcelona oculta. Vigilad, la hostia está a punto de azotar vuestra cara sin pedir permiso. Sin sentarse, teatro donde el público es el cuarto personaje, bebiendo cerveza-beer de esa que los lateros nos ofrecen sin parar a ciertos horas de la noche y sin preámbulos las balas son disparadas por las bocas de los protagonistas.

Tierra de acogida, cuna de culturas diversas, símbolo de libertad y progreso, la Barcelona que nos venden envuelta en papel de regaló, dista mucho de la que te encuentras cuando abres el paquete. La Barcelona que no respeta los Derechos Humanos, llena de contrastes sociales, la Barcelona del abuso de poder...

La propuesta escénica está bien lograda, consigue que el espectador tenga que mantener la atención al sinfín de dardos que son lanzados. Quizás haya dos lecturas principales de la obra en función de lo convencido o no sobre los datos que te están contando. Me hubiera gustado ver a esa parte de la burgesía catalana que cierra los ojos a lo que le pasa a la otra parte de la ciudad. Ver este montaje con una persona del polo opuesto tiene que ser un experimento de lo más interesante. Lástima que para muchos la cultura no vaya más allá de ciertos espacios magmánimos. 

De las tres historias hay una que se ha quedado a la espera de una segunda parte, quizás la menos desarrollada de las tres, la que interpreta la Clara Garcés, los momentos más brillantes del montaje se los lleva su personaje, que dentro de la intimidad de su celda, consigue emocionar y ponernos los pelos de punta en más de una ocasión.

De la intimidad del inicio al estallido final, donde el homenaje a Barcelona es otra trampa más, porque la bofetada es de tal magnitud que si a la salida te queda un mínimo conato de seguir la fiesta, no te servirá con un simple cerveza-beer.