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2/8/16

BALANCE DE LA TEMPORADA 15-16



Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Sí, vuelve ser agosto y muchos cambiamos las plateas por las playa para hacer borrón y cuenta nueva de cara a septiembre, a finales de agosto para los que no se puedan esperar y necesiten comenzar con esta "droga" legal llamada teatro. Pero antes de ir a buscar las olas hagamos memoria de lo que ha dado de sí esta temporada en la que la recuperación de las plateas se ha notado, más para unos que para otros, y el que siempre sale ganando, el señor Montoro y compañía, porque, y aunque no sea 21 de mes todavía, ahí sigue día a día, machando la cultura.

La temporada 15-16 ha sido sensacional en números para el Teatre Lliure y para el Teatre Nacional de Catalunya, que ha dado un salto de público importantísimo. Ambas dos han presentado unas temporadas 16-17 que a los teatreros se nos hace la boca agua. En lo referente a las obras ha habido de todo como en botica. Ya se nos han olvidado las decepciones, soy de olvido fácil.

Empezamos la temporada con una joyita, André y Dorine (Teatro Poliorama) nos robó el corazón con una historia emotiva, que al más duro le hizo llorar y una de las pocas veces que la máscara no era importante porque la humanidad que destilaban los muñecos la hacía desaparecer desde el minuto uno. FiraTàrrega nos regaló un montaje que ha estado en boca de todos durante toda la temporada, Las Gallinas, como popularmente de le conoce a Most of all, you've got to hide it from the chicks, Carla Rovira nos convirtió en niños y nos quitó el miedo a hablar de cualquier cosa, aunque sólo fuera durante lo que duró el espectáculo.

Es la temporada de los monólogos protagonizados por mujeres, y aunque hay uno que ha sobresalido por encima del resto, no nos olvidemos de la tremenda interpretación de Anna Alarcón que va devolver a la vida de manera magistral a Sarah Kane en Psicosi 4.48 y Míriam Iscla hizo lo propio con Anna Politkóvskaia en su Dona no reeducable. Bravo a las dos!

Personalmente, ha sido la temporada de la reconciliación con la dramaturgia de Jordi Casanovas, después de algunos montajes con los que no había acabo de conectar, Vilafranca (Teatre Lliure) me devolvió a sus primeras dramaturgias tras su boom. Más tarde, en el Grec, Port Arthur consiguió mantener una tensión similar a la que viví en los primeros montajes de la Sala FlyHard.

Los buenos números de TNC empezaron a notarse con el sold out de Molt Soroll per no res, que en la próxima temporada regresa con un reparto renovado y que consiguió ganarse a adultos y jóvenes. Nunca Shakespeare había sido tan divertido ni había sonado tan bien. Una que yo sé ya tiene fecha y hora para repetir.

Al novembre un nombre acaparó todos los titulares habidos y por haber, Clara Segura, sin duda la actriz del año, conseguia dejarnos ojipláticos con su magnífica interpretación de una madre 24/7 y su Conillet (Teatre Lliure- Romea) que aún hoy sigue teniendo pilas. Y no había acabado el mes y nos llegó una maravilla, Top Girls (Teatre Akademia), magníficamente dirigido e interpretado por la compañía Projecto Ingenu, sin duda la compañía teatral del año. Top Girls, Hamlet (Sala Atrium) y Romeu i Julieta (La Seca Espai Brossa) dan buena muestra de ello.

Mención especial lo que consiguió Àlex Rigola en la Sala Gran del TNC con El Público, una de las obras más difíciles de representar de Federico García Lorca y como si fuera magia, consiguió trasladarnos al universo de Lorca con un magnífico montaje del que sólo pudimos disfrutar poco más de diez días.

Y no hay que olvidarse tampoco de Xavier Bobés y su mini espectáculo lleno de magia, Cosas que se olvidan fácilmente, donde sólo 5 afortunados espectadores por función se dejan llevar por un sinfín de sorpresas. Esta temporada, la magia continua, no te olvides!

Temporada de clásicos como viene siendo habitual, destacar uno, Fuenteovejuna de la companyia Obskené en una Seca completamente desconocida y con una adaptación que se olvida del aburrimiento de este tipo de obras y sumerge al espectador en una fiesta para los sentidos.

Otro de los nombres propios que suena y resuena es Oriol Pla, su Ragazzo (Teatre Eòlia) que la temporada que viene se podrá volver a ver al Lliure fue uno de los éxitos del boca-oreja. Y por si teníamos poco, nos regaló un espectáculo indescriptible lleno de música, clown, teatro físico, Be god is donde queda claro que es uno de los nombres imprescindibles de la nueva hornada de actores.

Y la Sala Beckett abandonó Gràcia... Y al septiembre será una de las programaciones, que falta por descubrir, que con más ganas se esperan. La Beckett, Temporada Alta, el Festival TNT... Y en poco más de un mes el maratón teatral de la temporada comienza irremediablemente en FiraTàrrega. Agendas listas y maletas preparadas, que esto no ha hecho más que empezar. Feliz agosto!

31/7/16

BRINCADERIA + BRODAS BROS (BRINCABROS)



AUTORES: BRODAS BROS y BRINCADERIA
DIRECCIÓN ARTÍSTICA: LLUC FRUITÓS
DANZA y COREOGRAFIA: BERTA PONS, CLARA PONS, POL FRUITÓS, LLUC FRUITÓS y MARC CARRIZO
DIRECCIÓN y COMPOSICIÓ MUSICAL: EDISON AGUILAR
INTERPRETACIÓN MUSICAL: EDISON AGUILAR, FERRAN SAMPLER, CARLA FERNÁNDEZ y RUDA ANSWER
DURACIÓN: 65min
PRODUCCION: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA, BRINCADERIA y BRODAS BROS
TEATRE GREC (GREC 2016)

Ya está. Ya lo puedo decir, ya he visto a Brodas Bros. Y me lo he pasado pipa. Que buen rollo desprenden. Demasiado corto de duración para mi gusto, aunque con el calor que se respiraba en el anfiteatro, sinceramente, un par de saltos más y se funden.

Más trabajo de percusión que danza urbana o hip-hop, Brodas Bros se salen de sus esquemas y su colaboración con Brincaderia les hacen salir de su zona de confort. Con una puesta en escena más que solvente, aunque con algunos fallos porque la immensidad del anfiteatro no recibe de la misma manera el espectáculo. Desde la fila 11, el potente foco central me impidió disfrutar de la totalidad de momentos, por ejemplo el de la telaraña no fui capaz de presenciarlo, la luz me cegaba. Quizás pensado para destacar en salas cerradas y más pequeñas.

Pese a ello, el show coge vuelo con las primeras rasgadas de guitarra. Los momentos más íntimos sin la aparición de la percusión, tambores y guitarra, se quedan un poco cojos en un espacio de grandes dimensiones como el Teatre Grec. El más impactante de todos es el número final donde todos entra en juego e incluso la montaña se vuelve protagonista con un juego de luces maravilloso. 

En pleno éxtasis y con el público entregado, nos merecemos un bis a la altura de los últimos instantes del show propiamente dicho y nos lo proporcionan, magnífico fin de fiesta del espectáculo y del Festival Grec 2016. ¿Qué más se puede pedir?

GUADUAL



DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: LEANDRO MENDOZA
INTERPRETACIÓN: PRISCILA AGUILERA, JODY BURGOS, LUIS MIGUEL CAJIAO, JOSÉ CUENCA, MARCEL FERRER, ALEXANDER GÓMEZ, JORGE LUIS HIDALGO, BYRON ANTONIO MALQUIN, MARGARITA MAWYIN, MARIO SÁNCHEZ ARAYA y CHRISTIAN SARUE PADILLA
COMPOSICIÓN MUSICAL: CHÍA PATIÑO, MARCEL FERRER y JORDY BURGOS
DURACIÓN: 75min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA y TEATRO SÁNCHEZ AGUILAR (ECUADOR)
MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2016)

En comparación con otras ediciones, el Grec2016, se ha visto poco circo, toda una lástima si tenemos en cuenta la escasez que en temporada regular podemos degustar fuera de otras ferias escénicas. Así que es mejor aprovechar la mínima oportunidad. 

Con un inicio donde la escenografía se come los números iniciales por su magmanidad, el espectáculo comienza a coger ritmo y los números ganan en espectacularidad. Una compañía de circo se pierde en un bosque de Ecuador y juntamente con los habitantes de la zona les toca aprender a convivir y se enseñan los unos a los otros sus técnicas de entretenimiento. Un viaje por las tradiciones ecuatorianas, donde la imaginación, el humor y la música reinan.

El bambú es la pieza clave del espectáculo. Impresiona porque la mayor parte de los elementos están fábricados con esta madera y cómo es capaz de resistir el peso de todas las piruetas. Uno de los momentos más estelares del montaje es el que se desarrolla en la especie de barco-jaula donde los intérpretes se convierten en una especie de tarzanes. Otro de los momentos más álgidos es el juego con las bolas blancas, mágico, quizás no tan espectacular como cualquier pirueta pero que desprende una sensibilidad infinita.

Guadual es un espectáculo que nos demuestra que no todo en el circo es perfecto, algunos de sus números fallan, no sé si intencionadamente para hacernos ver que nadie es infalible o por la falta de unos meses de ensayo. Sea como fuere, queda perdonado porque del error también se aprende y es un síntoma más de humanidad.

Un espectáculo familiar donde los más pequeños de la casa alucinarán con una puesta en escena majestuosa, que se va desplegando poco a poco y que parece tener como lema que no hay nada imposible, y donde los no tan pequeños volverán a disfrutar con el mundo imaginario donde los problemas que existen puertas afuera no existen y la sorpresa invade sus vidas.

28/7/16

LA FRAGILITAT DELS VERBS TRANSITIUS



CONCEPCIÓN y COREOGRAFIA: ROBERTO G. ALONSO
DIRECCIÓN ESCÉNICA: JOSÉ MARTRET
DRAMATURGIA: CARLOS BE, MARC ROSICH y HELENA TORNERO
CREACIÓN y INTERPRETACIÓN: ANITA ASTRID, ROBERT G. ALONSO, ORIOL GENÍS, CÉSAR LÓPEZ, HUGO REAL y JUNYI SUN
INTERPRETACIÓN y CREACIÓN MUSICAL: ÀLEX RODRÍGUEZ FLAQUÉ
DURACIÓN: 60min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA y COMPANYIA ROBERTO G. ALONSO
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

En los tres últimos años el transgénero ha salido a la luz, por hablar en términos del colectivo "ha salido del armario", por eso sorprende que un espectáculo que pretende "impactar o remover de alguna manera las conciencias" se quede en una concepción tan básica y superficial de la transexualidad en sentido clásico.

Me explico. Partiendo del tópico hecho de que un niño encuentra una caja de zapatos de tacón en el armario de su madre y siente que él quiere ser una niña; pasando por la concepción de la feminidad, parece ser que las mujeres sólo somos la suma de zapatos de tacón, pechos, curvas y por supuesto todas nos pintamos los labios de rojo carmín, porque todo eso nos hace sentirnos mujer. ¡Demencial! Y para acabarlo de adobar con 6 intérpretes en el escenario, nadie, ninguno de ellos podía ser una mujer de nacimiento que deseara ser hombre, debía ser que no conjuntaba con los zapatos de tacón. Tanto aplauso a la diversidad, para quedar reducida a lo que cabe en una triste caja de cartón. Simple, muy simple, y más de lo mismo.

Al menos no han decidido incluir a un dragqueen, eso que nos hemos ahorrado, pero los temas narrados sí que han vuelto a caer en el tópico: problemas con la comunicación con los padres, ser uno mismo delante de amigos/compañeros de trabajo, la exclusión social (que no niego que exista), la vergüenza... Eso sí, tal y como dice en uno de sus monólogos el personaje de Oriol Genís, se acepta antes a un niño transgénero que a un hombre transgénero porque las cosas están cambiando.

Pero bueno, fuera de la decepción de la parte de contenido, la puesta en escena es el punto fuerte del montaje. Las cortinas como metáfora de "salida a la luz" de las voces que han estado dormidas y que a través de la palabra, la música o la danza nos explican qué sienten, qué piensan... su historia particular, la de los personajes que van pasando delante de nuestros ojos a veces como si estuviera expuestos en un escaparate o si fueran fotogramas a la espera que alguien les dé al botón de avance rápido.

La dramaturgia es irregular, hay momentos más lúcidos que otros. Algunos monólogos que destacan, en su mayoría protagonizados por Oriol Genís, pero en su conjunto no logran superar la superficialidad y conseguir que el contenido levante el vuelo. La parte de danza viene a reforzar la irregularidad total de la pieza. Un conjunto de movimientos inconexos que no acaban de enganchar con la parte dramática y que, en su mayoría, se quedan como un pegote, un añadido que no consigue aportar una coherencia clara al montaje.

Y, aunque reconozco que no soy una espectadora que partía de 0 en el tema del transgénero tampoco soy experta en el tema, pero e una obviedad que la transexualidad ha dejado la oscuridad en la que vivía en los 80 y los 90 y existen unos cuantos ejemplos audiovisuales a nuestro alcance para que sigamos en el modo iniciación. Ya es hora que pasemos al avanzado, que nos quitemos la careta y rasquemos un poco la superficie de tópicos para encontrar humanos diversos, que no sólo piensan, sienten y padecen en masculino ni conjugan los verbos con los ideales de sexualidad impuestos por el mundo audiovisual. Transitemos y conjugemos con coherencia, si us plau!

CUANDO VUELVA A CASA SERÉ OTRO



AUTORIA y DIRECCIÓN: MARIANO PENSOTTI
INTERPRETACIÓN: SANTIAGO GOBERNORI, MAURICIO MINETTI, ANDREA NUSSEMBAUM, JAVIER LORENZO y JULIANA MURAS
DURACIÓN: 85min
FOTOGRAFIA: BENIAMIN BOAR
PRODUCCIÓN: GRUPO MAREA
SALA FABIÀ PUIGSERVER (TEATRE LLIURE, GREC2016)

¿Qué tendrán estos argentinos que siempre nos enamoran? Una manera de hacer teatro del que toca la fibra, humanizar de una manera increíble los personajes para que siempre encuentres algún punto donde lograr esa cosa tan difícil que se llama "empatizar". No habían pasado ni diez minutos que ya me tenían enganchada. ¿Cómo de lo que podría ser una simple anécdota consiguieron sacar "petróleo"? Un conjunto de escenas que quizás en solitario no hubieran dicho mucho, pero debajo de una fina capa de melodrama, la humanidad rezumaba.

La identidad perdida, que quizás los que siempre hayan vivido en el mismo lugar toda su vida no echan de menos, pero los nómadas sabemos que es. Un simple objeto puede desencadenar toda una historia, en este caso un cassette que ha parecido entre los objetos peligrosos enterrados cuando la dictadura argentina comenzaba, es el Macguffin para que el resto de pequeñas historias cobren protagonismo: una banda de música rock que se gana la viva con la BBC mientras espera un éxito que le haga llenar estadios, un director de teatro que se gana la vida organizando mítines electorales mientras sueña volver a montar su gran y único éxito y un político que no es quien se pensaba que era.

Una puesta en escena basada en dos cintas transportadoras como las que utilizan los aeropuertos para devolvernos las maletas después de un viaje y que es la metáfora perfecta de ese tiempo que no se para nunca. El ritmo de las escenas y la manera de pasar de una a otra tiene un punto cinematográfico, de aquel cine de antes, que se cocinaba a fuego lento.

Como en todo montaje argentino que se precie, la naturalidad es el personaje principal, actores que actúan pero la máscara desaparece. El teatro lo delimita el escenario, en este caso más cerrado que en otras ocasiones. Nada vuelve a ser igual tras ver el montaje, los espectadores también somos diferentes. Cuando volvemos a casa somos otros.

24/7/16

EL BON PARE



DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: DAVID PLANA
INTÉRPRETES: LLUÍS SOLER, TERESA VALLICROSA, GEORGINA LATRE y JAUME MADAULA
DURACIÓN: 90min
FOTOGRAFIA: PABLO RICCIARDULLI
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA, BITÒ PRODUCCIONS y VANIA PRODUCCIONS SL
TEATRE  BORRÀS (GREC 2016)

David Plana vuelve al teatro ese es el titular que desde hace unos días llena las páginas de los diarios. Y si no recuerdo mal la última cosa que se había llevado a la salas, era aquel Dia de Partit que pasó con más pena que gloria en el Espai Lliure. Mucho más maduro dramatúrgicamente se nos presenta ahora con El bon pare, una comedia amable sobre la paternidad, los secretos de familia y como los ideales se pueden ver destruidos en un abrir y cerrar de ojos.

Una comedia urbana, donde un político socialista, alcalde de una ciudad de provincias, magníficamente interpretado por Lluís Soler ve como todo su mundo se desvanece y comienza a desaparecer el supuesto control que parecía tener sobre su família. Desde su casa en lo más alto de la ciudad, controla todo su territorio, mientras los miembros de su familia aparecen para romper en mil pedazos la armonía familiar. 

Ada, su hija, Georgina Latre, vuelve a casa por vacaciones y a partir de aquí los acontecimientos se desencadenan. Una divertidísima Teresa Vallicrosa, su ex y madre de Ada es el punto necesario para que la historia avance hacia un final que camina hacia la comedia negra con ciertos tintes chejovianos, no caminan hacia Moscú, pero bien podía ser Berlín. Una de las sorpresas del montaje es la interpretación de Jaume Madaula, al que últimamente le tenemos un tanto estancado en papeles más salvajes, de personalidades más de "malote", y en esta ocasión sorprende con un "niño bien", de buena familia y con una manera de hablar ciertamente peculiar, pero divertidísima su primera escena cara a cara con Lluís Soler.

Precisa dirección de David Plana que consigue que el puzzle de piezas encaje y el ritmo de la comedia no decaiga. Más que notable la escenografia de Sebastià Brosa que transporta a las torres de las familias adineradas de esta y otras ciudades. El bon pare es un buen montaje que busca espectadores que quieran pasar un buen rato y disfrutar de unas risas aseguradas.

PLATONOV



AUTOR: ANTON. P CHÉJOV
ADAPTACIÓN y PUESTA EN ESCENA: LUK PERCEVAL
DRAMATURGIA: KOEN HAAGDORENS
INTÉRPRETES: ELSIE DE BRAUW, BRIEK LESAGE, KATRIN LOHMANN, BERT LUPPES, PETER SEYNAEVE, ZOË THIELEMANS, FRANK FOCKETYN, STEVEN VAN WATERMEULEN y LAURA MENTINK
DURACIÓN: 105min
FOTOGRAFIA: PHILDEPREZ
PRODUCCIÓN: NTGENT
SALA PUIGSERVER (TEATRE LLIURE, GREC 2016)

Una adaptación de Platonov, la primerísima obra de Chéjov, cuanto menos desconcertante. A medio camino entre la pasividad del autor ruso y las puestas en escena al más puro estilo Brecht. Contención, silencio, una especie de catarsis colectiva entre los actores y el público. Un público entregado y tan silencioso, tan atónito entre descifrar las palabras con el gran trabajo físico.

Quizás por lo desconcertante de la propuesta, Platonov me atrapó en su densidad en mayor medida de lo que hubiera deseado. En un Chéjov lo suficientemente pausado de normal, convertir los intérpretes en meros títeres que se mueven acompasados por unos hilos invisibles que apenas dan dos pasos en la amplitud del escenario de la Sala Puigserver y la decadencia de sus actos convierten el montaje por momentos en extenuante.

Pero en medio de este largo silencio aparece el sonido de piano y voz de Jens Thomas, que en algo parecido a Rufus Wainwright despierta nuestras dormidas conciencias y pone el más destacado toque a la pereza, al immovilismo. Los mejores momentos vienen acompañados de su música y de cuando los títeres descubren que el mejor lenguaje es el físico.

Magnífica escenografía, capitaneada por un enorme piano de cola que se desplaza por una especie de pasarela metálica que se sujeta físicamente por pilas de libros, como una brillante metáfora de todos aquellos que les faltan por leer a unos personajes consumidos en el alcohol y en su propia mediocridad.

El escaparate de personajes baja el telón y los bravos resuenan en la sala, y sí, este Platonov es diferente a lo que acostumbramos a ver, pero quizás me esperaba otra cosa o incluso algo más de lo que me han mostrado. Sea como fuere, yo me quedo con el pianista, él me ha salvado el montaje.

18/7/16

HISTORIA DE AMOR



AUTOR: RÉGIS JAUFFRET
CONCEPCIÓN ARTÍSTICA: VITTORIO MESCHI y LAURA PIZARRO
TRADUCCIÓN: CARLOS GONZÁLEZ GUZMÁN
ADAPTACIÓN: ZAGAL y MONTSERRAT QUEZADA
DIRECCIÓN: ZAGAL
INTÉRPRETES: JULIÁN MARRAS y BERNADITA MORENO
DURACIÓN: 90 min
PRODUCCIÓN: COMPAÑÍA TEATROCINEMA, FONDART, FITAM, TEATRO DE LA UNIVERSIDAD CATÓLICA y SCÈNE NATIONALE DE SÈTE ET DU BASSIN DE THAU
TEATRE LLIURE- SALA FABIÀ PUIGSERVER (GREC 2016)

Este espectáculo había generado demasiadas tantas expectativas, que desde la primera línia se puede afirmar que no se han cumplido. Buscábamos salir de las decepciones que ya llevamos en este ecuador de Festival Grec y seguimos en las mismas. Historia de amor es la primera historia de teatrocinema que veo, ya sólo por eso mostré más atención, intenté concentrarme en una historia demasiado oscura, pero 90 minutos fueron excesivos para que mi atención se mantuviera con la misma intensidad todo el rato.

No dudo que esta técnica con otra historia y otros intérpretes en un futuro me pueda despertar algo más que curiosidad pero se conjugaron demasiados elementos para que esta vez no fuera así. Empecemos por la dramaturgia, lo que podría ser una anécdota de 30-40 minutos se alarga 90, repitiendo una y otra vez la misma constante hasta acabar por aburrir. Una historia de amor donde una mujer se ve obligada a casarse con un hombre al que no quiere, ni desea, simplemente por el hecho de que éste no para de acosarla y perseguirla. Mejor no intentemos verle sentido a la historia, en los tiempos que corren todo es posible, pero bastantes momentos todo parecía bastante inverosímil. Too much drama for me.

Si hablamos de ritmos, la entonación, el ritmo narrativo era excesivamente monótono todo el rato. No había diferencias entre la supuesta felicidad del personaje, no se podía asegurar si estaba feliz, triste o enfadado porque la voz estaba llegaba siempre con la misma cadencia, lo mismo te podía estar recitando la lista de la compra como un poema de amor a su amada. 

Hasta el final no se ve el truco, sabes que se está interpretando en directo y que el video y todas las partes 3D están tan bien conseguidas y por momentos dejas de saber si estás viendo una película o teatro. Un punto a su favor que no salva el resto del envoltorio para que tuviéramos ganas de seguir degustando el caramelo. Interesante para experimentar durante 30 minutos, pero ¿y después qué? 

L'INFRAMÓN



AUTORIA: JENNIFER HALEY
TRADUCCIÓN: NEUS BONILLA
DIRECCIÓN: JUAN CARLOS MARTEL BAYOND
INTÉRPRETES: ANDREU BENITO, JOAN CARRERAS, GALA MARQUÉS/ CARLA SCHILT, VICTOR PI y MAR ULLDEMOLINS
DURACIÓN: 80min
FOTOGRAFIA: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: GREC 2016 y TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE GRÀCIA (GREC 2016)

Un año más me adelanto al inicio de temporada con una obra de la que escuché maravillas tras su paso por Londres y que me despertaba cierta curiosidad por la temática que trata. Mundos virtuales, un mundo real cada vez menos presente, cada vez más secundario. Los personajes de L'Inframón viven por y para el mundo virtual. Allá es donde una especie de policía de la moral y el orden pretende establecer las reglas. Aparentemente, mucho más severas que las que tenemos que acatar en el mundo real.

Tras una semana invadidos por Pokemon e historias varias, lo que relata L'Inframón no es un futuro tan lejano, a veces incluso podíamos pensar que la realidad ya ha superado la ficción. Sea como fuere, la dramaturgia, si uno no está avezado en el mundo tecnológico actual quizás le venga demasiado de nuevo. Pero ser capaz de desentrallar la filigrana de conceptos y de pasar de un mundo virtual al real y al revés en un constante viaje es lo que hace que el significado de la obra cobre una vida tan real como inventada. No hay tiempo para aburrirse si uno tiene ganas de pensar en todos los conceptos y preguntas que desprenden las imágenes que se pueden llegar a desprender de la obra.

El timón de la obra y la luz entre mundos virtuales la pone Mar Ulldemolins, que mantiene y gana el pulso a Andreu Benito, cuya interpretación vuelve a convencer, pero que no deja de ser parte de esa zona de comfort de la que nos tiene acostumbrados y que le vuelve a funcionar muy bien en L'Inframon.

Tan importante o más que los actores es la puesta en escena. Magnífica escenografía de Alejandro Andújar que juntamente con el diseño de luces de David Bofarull, el diseño de sonido de Damien Bazin, el video de Joan rodon y la programación de Proto Pixel convierten la sala de Gràcia en un submundo perverso con una atmósfera más que adecuada para lo que nuestros ojos están a punto de presenciar. En septiembre L'Inframon abrirá de nuevo sus puertas en Gràcia, ¿quién será el cobarde de no dejarse llevar?

16/7/16

YO, FEUERBACH



AUTOR: TANKRED DORST
VERSIÓN y ADAPTACIÓN: JORDI CASANOVAS
DIRECCIÓN: ANTONIO-SIMÓN
INTERPRETACIÓN: PEDRO CASABLANC y SAMUEL VIYUELA GONZÁLEZ
DURACIÓN: 90min
FOTOGRAFIA: E. BERENGUER
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA y VELVET EVENTS SL
ESPAI LLIURE (GREC 2016)

Un personaje, un actor en paro que busca una segunda oportunidad para resurgir qual ave fenix. Se presenta a un casting con un director que trabaja en uno de los centros dramáticos de la ciudad. Le recibe su ayudante. Tendrán que esperar a que el director haga acto de presencia. Y la espera será fructífera porque nosotros los espectadores descubriremos lo que normalmente no se sabe, la realidad que se esconde detrás del éxito, la falta de segundas oportunidades y cómo afrontar los momentos de crisis humanas.

Dos épocas y dos maneras diferentes de hacer se enfrentan en escena, la del actor que ya ha conocido el éxito y que parece que esté de vuelta de todo. Él reclama que se le trate como lo que es, o lo que fue, que para él hacer un casting ya estaría fuera de toda lógica. El joven ayudante de dirección, con ansias de comerse el mundo y que no entiende de escalas profesionales y trata de tu a tu al actor, no por falta de respeto sino porque la época ha dejado de tratar como dioses aquellos que llegaron primero. 

Egos, soberbias, lecciones de vida, un desprecio por la juventud y por la veteranía se dan cita durante toda la representación. Nada fuera de lugar. Hasta que de repente hay un momento de esclosión donde ambos personajes se encuentran en el mismo plano, un magnífico momento metateatral y el inicio que hace al espectador empezar a posicionarse y tomar partido por uno de los dos. El caramelo que se nos presenta tiene dos caras, y ambas pueden ser deliciosamente disfrutadas.

Brillante recital interpretativo el que se marca Pedro Casablanc como actor venido a menos. Indescriptibles los innumerables recursos interpretativos que despliega a lo largo de toda la obra. Un placer para los teatreros que puedan disfrutarlos. Solo él en escena, porque la escenografía no puede ser más minimalista y la iluminación precisa, hace que destaque su luz por encima del envoltorio. En las réplicas le acompaña Samuel Viyuela González, el joven ayudante de dirección que aguanta perfectamente el tipo delante del magistral trabajo de su compañero.

Dos oportunidades más no son suficientes para que toda la gente que debería ir a verla vaya y mientras que a alguien se le ocurra programarla más tiempo, aprovechalas y no te la pierdas. Es un disfrute!

VISIÓ ARDENT



AUTORA: MARIE CLEMENTS
TRADUCCIÓN: ELISABET RÀFOLS
DRAMATURGIA: TOM BENTLEY-FISHER y ELISABET RÀFOLS
DIRECCIÓN: TOM BENTLEY-FISHER
INTÉRPRETES: CLÀUDIA BENITO, ANDY FUKUTOME, ANNA GÜELL, JORDI LLOVET y DAVID SANTALICES (CATALUNYA); MIRANDA BENTLEY, MARGO KANE, JULIE TAMIKO MANNING y DENEH'CHO THOMPSON (CANADÁ)
COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: EDUARD INIESTA
DURACIÓN: 2h 15min + 15min (entreacto)
FOTOGRAFIA: XAVI VALLS
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA, TANT PER TANT y Q-ARS TEATRE
MERCAT (GREC 2016)

De destrucciones planetarias se ha hablado mucho en la literatura, Visió Ardent pone el centro de atención en el uranio, desde la mina hasta la bomba. Según el programa de mano todas las historias que lo conforman giran a su alrededor. Si bien es cierto que sólo asistí a la primera parte de la historia. Por primera vez fui incapaz de ver la segunda parte. Después de 1h y 15 min de obra donde no veía más que historias inconexas, sin ningún fin conductor, decidí abandonar la sala sin la más absoluta idea de lo que mis ojos habían presenciado. 

Me gustaba la idea de un espectáculo mitad inglés-mitad catalán y que el lenguaje no fuera un problema para nadie, porque todos en menor o mayor medida entendíamos de que iba la pesca. Pero el problema de la pieza no está en el lenguaje utilizado sino más bien en la dramatúrgia, en la absoluta falta de esta, aunque en la ficha artística haya dos personas que se hayan encargado de elaborarla. No es normal que durante más de una hora nada me pareciera coherente, no encontrara el porqué de todo junto. ¿Qué pretendía el autor/dramaturgo con lo que estaba presenciando? Lo siento, pero aún hoy no he encontrado la respuesta. Y no dudo que quizás la cosa mejorara en la segunda parte y que la respuesta hubiera estado en ella. 

Pero, Visió Ardent me pareció otro espectáculo más que en el espectador se piensa en la "obra de arte" que se está construyendo. Cosa que como espectadora detesto. La falta de empatía del creador con el público. Nada que objetar de las interpretaciones, poco podían hacer con un texto tan inconexo y tan falta de agarre. Anna Güell transvestida como hombre con un personaje excesivamente parecido a Donald Trump, una caricatura del tópico discurso americano lleno de banderas, racismo... Claudia Benito, que aún conserva la luz que aporta a los personajes, esta vez le sirve de poco, porque y aunque tiene un personaje al que le falta recorrido es el mejor escrito de todos. Pobre niña pobre.

No sé si este Grec 2016 estoy jugando en una liga donde las dramaturgias están por encima del riesgo que asumen, pero empiezo a pensar que los experimentos mejor en la cocina y con la puerta cerrada. Ya nos caerá la bomba si hace falta.

13/7/16

PORT ARTHUR



DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: JORDI CASANOVAS
TRADUCCIÓN: SÍLVIA SANFELIU
INTERPRETACIÓN: DAFNIS BALDUZ, JAVIER BELTRÁN y MANEL SANS
DURACIÓN: 60min
FOTOGRAFIA: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: VELVET EVENTS y FESTIVAL BCN NEGRA
CCCB (GREC2016)

No todo el mundo es capaz de unir los elementos necesarios para construir un buen thriller. Bien es cierto que en el caso de Port Arthur la materia ya venía dada, pero simplemente por el trabajo de condensar una declaración de ocho horas en una y no caer en las repeticiones que este tipo de estructuras dramáticas llevan consigo, ya se puede alabar el inmenso dominio, que una vez más vuelve a demostrar Jordi Casanovas.

Escenografía a dos bandas, el público se sitúa dentro de la sala de interrogatorios, como ya sucedía en el caso de Ruz Bárcenas. Pero aquí el ambiente es diferente, y la historia no por desconocida y lejana se nos hace menos presente. En escena dos policías y un supuestamente asesino psicópata que ha matado al menos a 35 personas y herido a otras tantas. 

Port Arthur no es un thriller con un ritmo vertiginoso de principio a fin, la tensión va in crescendo según pasan los minutos. La sensaciones que el rastro de declaraciones van produciendo en el espectador, son diversas. Desde una fuerte empatía inicial, la culpa a los crecientes errores policiales, mas aún tratándose de un caso sacado del Wilileaks, pasa a ser una bofetada tal, que al abrir los ojos piensas que no sabes cómo ha sido posible sentir empatía hacía tal engendro.

Los tres actores bordan sus papeles, los dos polícias: Manel Sans, que juega al "poli malo", con una actitud, ya de entrada, más directa y violenta que su compañero, Javier Beltran, "poli bueno" que inicia el interrogatorio con demasiado afabilidad y en un estado totalmente conciliador con Martín, Dafnis Balduz, el supuesto asesino psicópata. La interpretación de Balduz no sólo convence sino que muestra un abanico de recursos impresionante, que van desde ser la víctima del sistema, una especie de corderito degollado que nunca ha roto un plato, a mostrarnos un perfil más psicótico que con una simple mirada, y sin mediar palabra, te lo dice todo.

Port Arthur es una hora de angustia muy bien justificada, con un ritmo preciso y con una dirección detallista de Jordi Casanovas que te deja cuestionarte de qué lado estás pero dejando claro hasta el final que las cosas no son como parecen. Si hace algunos meses a la salida te obsequiaban con una cerveza, quizás para devolverte el aliento. Aquí, al menos, deberían ofrecerte un chute de whisky, así la bofetada que te devuelve a la realidad sería más ligera. Hasta el 24 de julio al CCCB, para disfrutar a veces se tiene que sufrir. ¡Suframos!

12/7/16

LE MOUVEMENT DE L'AIR



CONCEPCIÓN, DIRECCIÓN ARTÍSTICA y ESCENOGRAFIA: CLAIRE BARDAINNE y ADRIEN MONDOT
CREACIÓN IÁTICNFORMA: ADRIEN MONDOT
COREOGRAFIA: YAN RABALLAND
INTERPRETACIÓN: RÉMI BOISSY, FARID-AYELEM RAHMOUNI y MAËLLE REYMOND
COMPOSICIÓN MUSICAL e INTERPRETACIÓN EN DIRECTO: JÉRÉMY CHARTIER
DURACIÓN: 60min
PRODUCCIÓN: ADRIEN M & CLAIRE B con GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA entre otros...
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

Para bien o para mal fue uno de los descubrimientos del año pasado. Su técnica de mezclar la tecnología y la danza nos sorprendió y generó opiniones diversas. En esta ocasión nos ha vuelto a dejar boquiabiertos por su espectacularidad, el despliegue tecnológico es casi comparable a lo que sucede con el teatro del adorado Ivo Van Hove, aunque el resultado sea más desigual.

Te puedes pasar la hora anonadado por la tecnología y atrapado en sus brazos o puedes empezar a pensar si hay algo más a parte de fuegos artificiales. Y reconozco que aunque la experiencia del año pasado me había enseñado qué me iba a encontrar, me volvía dejar llevar por la tecnología, pero volvía a salir de la sala con la sensación de esta se había vuelto a comer a la danza. El intérprete digital debería ser un acompañamiento a los tres bailarines que juegan con él, y no convertirse en el actor principal.

Dos paneles verticales blancos son las pantallas donde las diferentes figuras blancas se dan cita. Danza de tierra y acrobática acompañan a las mil y una formas dibujadas. El resultado es espectacular, aunque la gasa blanca se mueva más que los propios bailarines. La música en directo de Jérémy Chartier es el complemento perfecto para amenizar el conjunto.

A pesar de la espectacularidad del espectáculo, la suma de sus partes queda alejada del espectador, que asiste impávido a una explosión tecnológica como ninguna otra compañía consigue, pero al que la danza, una vez más, sólo ha actuado de comparsa.

7/7/16

AFASIANS



DIRECCIÓN, CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: DAVID CLIMENT y PABLO MOLINERO (loscorderos·sc), EDU POU y PAU RODRÍGUEZ (ZA!)
DURACIÓN: 60min
FOTOGRAFIA: SANTA PHOTO y ROMAN RUBERT
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA, loscorderos·sc, FUNDACIÓ CATALUNYA LA PEDRERA, SÂLMON< FESTIVAL y TERCERA SETMANA FESTIVAL D'ARTS ESCÈNIQUES DE VALÈNCIA
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

Hasta hace dos días sólo conocía a loscorderos de oídas, de aquellas personas que no paraban de recomendarme que fuera a un espectáculo suyo. Y fui y entré con ganas de pasármelo bien, con ganas de descubrir aquel caramelo del que todo el mundo hablaba. Y oh sorpresa, tenían razón! Me hubiera quedado toda la noche escuchando teorías de física cuántica o de lo que fuera, me da igual.

Hay que soltarse las cadenas que nos hacen ir como ovejitas a ver siempre el mismo tipo de espectáculos. Afasians no es una conferencia, ni un concierto, no es teatro de texto, pero tiene texto, no es teatro musical pero tiene música, no es teatro de humor, pero te ríes, no es un espectáculo de danza, pero se baila, no es una performance, aunque en el fondo lo parezca. Es más bien todo eso y todo lo contrario.

A loscorderos les acompaña Za! una banda punk para que las fronteras no existen se ríen de todo y su modus vivendi es cuanto menos original. Durante unos minutos pensé estar viendo seres de otro planeta, los habitantes de Afasians no se parecen en nada a los seres que habitan los escenarios, no hay ley, campan a sus anchas. 

La banda sonora es genial, versiones de "Purple Rain" del desaparecido Prince, aquí en versión "Purple Cat", y siguiendo con su gato, "gato mueerrto", que no lo entenderéis si no lo veís, una original visión cantada del gato de Rosario. Es una lástima que no haya una lista en el Spotify con sus grandes hits, sería mi banda sonora del verano.

Entradas agotadas y lista de espera interminable para poder sentarse en medio metro de suelo y disfrutar del espectáculo. Si no has conseguido entrar, ¡persígueles! Divertidos, empáticos, locos, geniales, un subidón de espectáculo. ¡No te lo pierdas!

OFICINA PER A UNA VIDA POSTIDÈNTICA



CONCEPTO y DIRECCIÓN: MATHIAS REBSTOCK
TEXTOS: TILMAN RAMMSTEDT y MARC ROSICH
MÚSICA y VÍDEO: RAQUEL GARCIA-TOMÀS
INTÉRPRETES: FLORIAN BERGMANN, PANAGIOTIS ILIOPOULOS, DAVID LUQUE, LUCÍA MARTÍNEZ, BÄRBEL SCHWARZ, MARIEL SUPKA y MARTA VALERO
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELON, NEUKÖLLNER OPER BERLIN y OPERA DE BUTXACA i NOVA CREACIÓ
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

No estoy muy segura de si se puede afirmar que en el 2016 tragedia esta pasado de moda. ¿Qué nos falta por ver cuando estamos saturados de mil y una imágenes? Por eso quizás hablar de la identidad, cuando las fronteras están tan poco delimitadas sea cuanto menos toda una proeza. Y si además lo hacen en un género poco desarrollado pues la aventura se acrecienta. El tema me interesaba, el teatro musical experimental no tanto.

Identidad individual, colectiva, la excesiva exposición en los mundos virtuales, ¿somos libres o tenemos una libertad fingida que asumimos sin rechistar porque ya nos está bien? Una coproducción Alemania - Catalunya que mediante texto, música, interpretación y vídeo intenta adentrarse en nuestras mentes y exponernos el ya típico tópico de ¿qué somos?

Oficina per a una vida postidèntica está a medio camino entre la ópera pop, la performance y la locura creativa, y aunque la mezcla podía ser explosiva se queda corta. Los primeros treinta minutos se aguantan, el vídeo, las interpretaciones y los textos entran e incluso llevan a la reflexión. Toques de Warhol, de pop-ara, el descaro de las películas ochentenas de Almodovar, pero después la cosa se va diluyendo, los textos en cuanto avanza el espectáculo comienzan a ser densos y a girar en torno a sí mismos una y otra vez, y sólo una adaptación del himno punk hace que salgamos del ensimismamiento.

Quizás la obra sea demasiado "berlinesa" que es donde hará parada y fonda un mes en septiembre, quizás no estemos preparados para disfrutar del teatro musical experimental, pero Oficina per a una vida postidèntica se me hizo larga y tediosa. A veces el tema no lo es todo si no tiene los aderezos adecuados. Y mejor no hablar de la deconstrución de la novena sinfonía de Beethoven, poco quedó de ella tras pasar por las manos de Raquel García-Tomàs.